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後のRoots Radics結成でも知られるEric "Bingy Bunny" Lamont率いるThe Morwellsが、1975年に自身らの自主レーベルより発表した初期ルーツ・ダブの超重要作『Dub Me』。ダブという表現手法がLPフォーマットとして芽吹き始めた最初期に生み出され、当時最新鋭だったロッカーズ・スタイルの力強いリディムを軸に、巨匠King Tubbyがミキシングを担当。派手な音響効果や過度なエフェクト処理に頼ることなく、ドラムとベースの強固な骨格と、浮遊するヴォーカルやインストゥルメンタルの余白を繊細かつ緻密に生かしている。初期King Tubbyの卓越した手腕によるメロウで滋味深い空間美が全編を包み込む、ルーツ・ダブ黎明期ならではの洗練と美学が詰まった一枚。

巨匠Mad Professorによる名ダブ・シリーズ『Dub Me Crazy』第10弾として1990年に発表された『Psychedelic Dub』。Macka B、Kofi、Sister Audreyらのヴォーカル陣や、Rico Rodriguezによるトロンボーンをフィーチャーしながら、奥行きあるミックスワークを展開。ネルソン・マンデラを冠した楽曲を収録するなど当時の空気を映し出しつつも、タイトルが示す通り幻想的なエフェクト処理としなやかなグルーヴが全編を包み込む内容。90年代初頭のAriwaサウンドの充実ぶりを伝える、『Dub Me Crazy』シリーズを代表する一枚。

幼少期から天才的な才能を発揮し、ジャマイカ音楽史に大きな足跡を残したシンガーDelroy Wilsonが1969年に〈Studio One〉に残したロックステディの大名盤『Good All Over』。Bill Withersをはじめとするアメリカのソウル・ミュージックの情趣をジャマイカの文脈へと見事に昇華させたボーカル・スタイル。Studio Oneが誇る極上のロックステディ・リディムに乗せて、甘くシルキーなハイトーンが艶やかに伸びるサウンドは、後のラヴァーズ・ロックの源流を築いたロマンティシズムと深い情感に満ちあふれている。

1975年に〈Klik〉からリリースされた、Sidney Crooksのプロデュースによるインストゥルメンタル・レゲエ作品『Bag-O-Wire』。全12曲を収録し、歌を排した編成のなかでリズムの力強さと演奏のグルーヴをじっくりと味わわせる内容。重厚なベースラインと緩やかなうねりを軸に据えたサウンドは、70年代ジャマイカ産インストゥルメンタル作品ならではの魅力に満ちており、華美な装飾に頼ることなく、レゲエ本来の躍動感と空気感を伝える好作。

Balmorheaの中心人物でもあるMichael A. Mullerと、ノルウェーのアンビエント／実験音楽デュオ〈Deaf Center〉のメンバーOtto A. Totlandによるコラボレーション作『Unna』。ニューヨークのオーディオ、ハイファイ、デザイン・カンパニー〈Ojas〉が新たに立ち上げたレーベル〈Ojas Music〉の第1弾として登場する本作は、親密なミニマル・ピアノと、深く沈み込むダークなアンビエントが交差する作品。

Otto A. Totlandによる、間近で捉えられた繊細なピアノの響き。その周囲をMichael A. Mullerが奏でるコントラバス、グロッケンシュピール、メロトロン、ローズ・ピアノが静かに取り囲み、音と音のあいだに豊かな奥行きを生み出していきます。旋律を際立たせるのではなく、微細な音色の変化や余韻、沈黙までもが音楽の一部となり、聴く者の意識をゆっくりと内側へ引き込んでいく。二人の異なる場所で培われた感性が、時間の感覚さえ遠のいていくような、静謐で深い音響空間へと結実しています。

ノルウェー語で「遠くへ」を意味するタイトル『Unna』には、二人の物理的な距離と、創作に没頭することで日常の時間から離れていく感覚という、二重の意味が込められています。アナログ音響と深い聴取体験を追求する〈Ojas〉の美学とも呼応する、音そのものと向き合うための一枚。180g重量盤、限定500部、ナンバリング入り。

Balmorheaの中心人物でもあるMichael A. Mullerによる、静謐で簡潔なギターの独演。2026年1月、ブルックリンを襲った冬の嵐の最中に録音された、〈Ojas Music〉第2弾リリース。これまで描いてきた暗く幽玄な音響世界や、11人のコラボレーターを迎えた2024年作『Mirror Music』から一転、ここではギター、ひとつの部屋、そして一度きりの演奏だけが残されています。全曲を一発録りで演奏し、1インチ・テープ・マシンへ直接収録。指先から弦へ、弦から磁気テープへと音が伝わっていく最短距離の録音によって、微細なタッチや音の余韻、部屋そのものの静けさまでがそのまま音楽として記録されています。窓から差し込む光、遠くのヘリコプターやサイレン、夜の彼方へ滲む街の明かり、砂埃や鳥、竹の音、白い薔薇やイチジク、レモンの木。そうした感覚的な記憶が、ここでは旋律というよりも、反復する音の断片と静かな余白として立ち上がります。
本作のために新たなギター・チューニングをいくつも考案し、楽器の言語を一度解体して最初から学び直すようにして作曲。子守歌と哀歌のあいだを揺れるような、簡素で循環的な楽曲が、同じモチーフを異なる角度やテンポから静かに変奏しています。「Arundel」はDavid Pajo（Papa M、Slint、Tortoise）へのオマージュであり、ドラマティックな展開よりも、音色と持続、そして時間そのものを重視してきたギター音楽の系譜へと接続する一曲。

池田亮司が、アメリカ軍によるモールス信号を着想源に制作した12インチ作品。アルファベットA–Zの26文字に対応する26種類の周波数を、それぞれひとつの音響単位として構成した、極限までミニマルな作品。
片面13本ずつ、計26本のロックド・グルーヴに刻まれるのは、それぞれ異なる周波数を持つサイン波。音は旋律やリズムへと発展することなく、針が同じ溝を繰り返し巡ることで永続的な反復へと変容。ひとつひとつの周波数が独立した音として聴こえる一方、それらを連続して再生することで、26の音がまるで無言の会話を交わしているかのような音響的な関係が顕在化。音楽を構成する要素を極限まで削ぎ落とし、周波数、反復、時間、そして情報そのものを音楽として提示する池田。
モールス信号という「情報を音へ変換するシステム」を出発点に、意味を持つ言語以前の、純粋な音響の差異へと還元していく試みともいえる内容。2017年、スイス・グシュタードで開催されたアート・フェスティヴァル〈Elevation〉における〈Test Pattern〉のサイト・スペシフィック・インスタレーションに合わせて制作された作品。限定500部

日本を代表する電子音楽家／ヴィジュアル・アーティスト池田亮司が、10本のロックド・グルーヴによって、それぞれに異なる周波数のサイン波だけを刻み、その周波数を太陽系の異なる惑星に対応させた、極限までミニマルな音響作品。
針が同じ溝を永久に回転続けるロックド・グルーヴによって、ひとつのサイン波は「楽曲」として展開することなく、ただ持続し続けます。しかし、それぞれ異なる周波数を持つ10の音は、再生することで聴覚のなかに微細な差異と緊張を生み、単純な電子音が次第に空間そのものを測定するような感覚へと変貌を遂げていきます。
量子力学や量子情報理論を美学的な視点から捉えた池田のインスタレーション〈supersymmetry〉とも連動する本作。CERNで科学者やエンジニアとの交流を重ねた経験を背景に、音を旋律やリズムとしてではなく、周波数、物質、時間、そして宇宙を構成する最小単位のようなものとして扱っています。
180g重量盤、特製シルクスクリーン・スリーヴ仕様。名匠Rashad Beckerによるマスタリング。音楽を極限までミニマルに削ぎ落とすことで、逆に「聴く」という行為そのものへ能動的に意識させる、池田ならではの実験的な作品。180g重量盤

電子音響とデジタル・テクノロジーを極限まで抽象化してきた池田亮司が、ここでは一転して「擦奏」という物理的な振る舞いに向き合った新作。収録された3作品は、いずれも弦楽器の音色を素材として扱うだけではなく、演奏者の身体、楽器の構造、音の発生する時間と空間そのものを作曲の原理へと組み込んだもの。2021年にEnsemble Modernとのワークショップをきっかけに弦楽器だけに焦点を絞ることを決め、2020～2023年にかけて制作された作品群が〈The Vinyl Factory〉よりヴァイナルリリース。
「REFLECTION [for string nonet], op.13」では、9人の奏者全員が7/8拍子による同一のリズム構造を共有しながら、その開始位置をずらすことで、それぞれのパートが互いに応答し合うような複雑な時間構造を形成。
「PRISM [for string nonet], op.14」では、白色光がプリズムによってスペクトルへ分解される現象を音響へと置き換え、弦楽アンサンブルのほぼ全音域を横断しながら、個々の音高をクラスターとして抽出していきます。音を連続的な響きとしてではなく、分解可能な物理現象として捉える池田ならではの思考が、弦楽器の響きの内部に展開。
そして「MIRROR [one for two], op.12」は、一枚の楽譜を通常方向と反対方向の双方から同時に読めるよう、五線譜そのものを鏡像化(反行)。二人の奏者がひとつの楽譜を共有し、それぞれ逆方向から読み進めながら同時に演奏するという、極めて制約の多いシステムによって成立しています。池田が長年「夢」として思い描いていたこの作品は、単純に見えるルールの内部に高度な演奏上の困難を抱え、その制約そのものを音楽的構造へと変換しています。
さらに本作では、通常は互いの姿を確認できるよう半円形に配置される弦楽奏者を、一直線に並べるという舞台上の配置も試みられました。視覚的な接続を意図的に断つことで、演奏者同士の身体的な関係さえも作曲の条件へと組み込む。音を「聴く」だけでなく、楽器、身体、楽譜、配置、時間といった音楽を成立させる物理的条件そのものを露出させていく点に、池田の現在の創作姿勢が鮮明に表れています。
Ensemble Modernによって演奏され、SWRによって録音。2024年2月8日にアムステルダムで初演され、2026年2月20日にはロンドンのBarbicanでも英国初演が行われました。電子音響とアコースティックな音楽、デジタルな抽象性と楽器の物理性という対立を超え、アコースティック楽器でありながら、どこか非人間的な精密さと透明感を湛えた、池田の現在形を示す精密な音響構造を立ち上げた作品。180g重量盤 ※視聴は参考動画です

オーストラリア・タスマニアのホバートを拠点に活動するAmelia BessenyとCooper BowmanによるデュオTrothによる、2026年作『The Limits Of A Light Touch』。NTS Radioのホストとしての日々やディギングで得た視点をソングライティングに反映し、自らのDIY精神を新たな領域へと推進。くすんだダブ・ベースと骨組みだけのドラムマシン、幽玄なヴォーカルが織りなす歪なポップスを展開。Animal CollectiveやPaavoharjuを思わせる異教的でルーズなフォーク・ポップの空気感から、シューゲイズ、さらにはUKレフトフィールド由来のダブやトリップホップの要素までが緻密に交錯する。パーソナルな体験と記憶が滲む音響テクスチャーとともに、心地よく軸のずれたアンビエント・ポップを構築した快作。

ノルウェー現代音楽の打楽器界の重鎮Kjell Samkopfが、1981年にヘニー・オンスタッド芸術センターで録音した珠玉のソロ作『Music for Solo Percussion and Electronics』。長らくマニア間で珍重されてきた貴重な初期電子音響〜パーカッション名盤が、待望の初再発。バークリーで培ったジャズや即興演奏の知見を背景に、コオロギの鳴き声や鳥のさえずりといった自然界の環境音と、ヴィブラフォン、マリンバ、ベルのクリアな響きを繊細に融合。終盤にかけて重厚なアナログ・シンセサイザーの音響が緻密に打ち出され、テクノロジーと自然環境の境界を鮮やかに描き出している。高田みどりやVisible Cloaksのアプローチにも繋がる、第4の世界感覚を孕んだレフトフィールド音響の傑作。

前作『Anti Atlas』から2年の時を経て、パリを拠点に活動するプロデューサーThéo Martinのソロ・プロジェクトThmeが〈LAAPS〉より発表した2026年作『Overleaf』。数ヶ月に及ぶ集中的なセッションで得られたすべての録音素材をパズルのように断片化・再構築。彼の音楽の核である磁気テープの温かな揺らぎや偶然生じたノイズに、デジタルツールによる多層的なレイヤリングを繊細に交錯。元の形を崩した音の断片が静謐なドローンやテクスチャーと重なり合い、記憶の残滓を巡るような奥行きあるアンビエント・エレクトロニクスを構築している。

前作『Anti Atlas』から2年の時を経て、パリを拠点に活動するプロデューサーThéo Martinのソロ・プロジェクトThmeが〈LAAPS〉より発表した2026年作『Overleaf』。数ヶ月に及ぶ集中的なセッションで得られたすべての録音素材をパズルのように断片化・再構築。彼の音楽の核である磁気テープの温かな揺らぎや偶然生じたノイズに、デジタルツールによる多層的なレイヤリングを繊細に交錯。元の形を崩した音の断片が静謐なドローンやテクスチャーと重なり合い、記憶の残滓を巡るような奥行きあるアンビエント・エレクトロニクスを構築している。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynが2004年に制作した『Etoile du Nord / Ghyress Für Ilse-Emily Kayn』。のちに父の遺産を継ぎレーベルを再始動させる実娘Ilse-Emily Kaynの名を冠した大作を含む、最晩年の自律音響ドキュメント。「北極星」や愛娘の名といったパーソナルなモチーフを出発点にしながらも、電子回路の自律反応、電気信号の物理変化、そして聴覚認識という3要素が緻密に交差。情緒的な描写を排した高度な電子システムでありながら、耳に届く重厚なドローンと緻密な周波数の蠢きは、静謐かつ荘厳な気配を帯びて響く。熟成を極めたサイバネティック音響の真骨頂というべき名盤。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynが、その晩年である2002年から2003年にかけて完成させた作品群を収録した重要2CD作品『Requiem pour Patrice Lumumba / Interations / Composizione AD / Prismes Reflectes』。コンゴの独立指導者パトリス・ルムンバへのレクイエムというモチーフを出発点に、電子回路の自律反応、電気信号の物理変化、そして聴覚認識という3要素が精密に交差。感情的な描写を脱した冷徹な自律システムでありながら、耳に届く重厚なドローンと高密度な周波数の蠢きは、大聖堂の残響を思わせる不思議な荘厳さと鎮魂の気配を帯びて響き渡る。人為的な意図を超越したシステムが結果として深く心を揺さぶる、サイバネティック音響の真骨頂というべき名盤。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynが、その最晩年である2001年から2003年にかけて完成させた、「Multiplex Sound-Art」シリーズに属する重要作『Ultra / Redundancy TR / Megaphonie』。長年の探求を経て到達した高度な自律電子システムを用い、回路自体の反応、電気信号の物理変化、そして人間の聴覚認識という3要素を精密に交差させて生成。巨層的で高密度なドローンと微細な周波数の干渉が有機的に脈動し、人為的な意図や従来の作曲概念を完全に超越したサイバネティック音響の極致を示す傑作。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynによる、1969年の初期作『Cybernetics II』と、2000年前後に制作された長編『Gärten Der Lüste』『L'Innominata』をひとつのパッケージに収めた2CD。30年以上に及ぶ彼のサイバネティック音響探求の軌跡と変遷を俯瞰する貴重な音響ドキュメント。1960年代末の生々しく過酷な信号処理から、自律的電子システムが高度に成熟したミレニアム期の重厚な多層音響までが交錯。自律する電子回路、電気信号の物理変化、そして人間の聴覚認識という3つの要素の相乗効果によって解き放たれた電子群が、静謐なドローンと有機的な周波数の蠢きを描き出し、従来の作曲概念を遥かに超えたスケールで迫る。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynによる、全10作の電子交響曲シリーズの幕開けを告げる『Electronic Symphony I / III』。1966年から1990年代後半にかけての約30年におよぶ改訂を経て、スタジオ内の複雑な自律的電子システムを通じてリアルタイム生成された音響構造であり、彼自身が「作曲というよりもプロセスを記録した」と語る歴史的一作。併録された「Equivalence Sonore」とともに、自律回路の中で変容する音響断片がFranco Evangelistiの語った「もはや音楽とは呼べない領域」の始まりを鮮烈に提示。重厚なドローンと幾重にも蠢く電子音が人為的コントロールや伝統的な作者性の概念を遥かに超えて響き渡る。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynによる電子交響曲シリーズ終盤を収めた2CD。1966年から1996年にかけて構想された全10作の交響曲群のうち、第VIII番から第X番までを収録し、1978年から1999年に及ぶ長大な制作期間のなかで培われたサイバネティック・ミュージックの思想が結晶化した重要作。そのサウンドは一般的な電子音楽の枠組みを大きく逸脱し、持続音、微細な変化、膨大な質量を持つ音響のうねりが絶えず姿を変えながら展開。管弦楽的発想の残像を感じさせながらも、有機的で予測不能な運動が共存し、ときに静謐、ときにマグマのようなエネルギーを放つ。Franco Evangelistiが「もはや音楽と呼べなくなる何か」と表現した世界観を体現するかのような、20世紀実験音楽史上でも類例の少ない到達点。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynが、シリーズ最長級となる15年もの歳月をかけて推敲を重ねた電子交響曲シリーズ『Electronic Symphony VI / VII』。スタジオ内で選び抜かれた音響素材が自律的な回路のなかで静かに重なり合い、Franco Evangelistiが評した「もはや音楽とは呼べない領域」へと到達。緻密に変化する多層的なドローンと有機的な音響のダイナミズムが交錯し、人為的コントロールや伝統的な作者性の概念を遥かに超えたものが展開。併録の「Frottage II」とともに、複雑な自律的電子システムを通じてリアルタイム生成されたサイバネティック・ミュージックの深遠な領域を示すアルバム。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynが、1977年から1997年までの20年間に及ぶ改訂を経て完成させた電子交響曲シリーズ第5弾『Electronic Symphony V / Emissioni Trasformati I-II』。過去20年間の制作プロセスで得られた音響断片が回路の中で変容し、Franco Evangelistiが語った「もはや音楽とは呼べない領域」を見事に体現。重厚なドローンと高密度な電子音が幾重にも交錯し、従来の音楽美学や著作性の概念を根底から覆す。作曲者自身による意図を超え、複雑な自律的電子システムを通じてリアルタイム生成されたサイバネティック・ミュージックの金字塔。

伝説的前衛即興集団、Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanzaでの活動でも知られる稀代の電子音楽家、Roland Kaynが、1988年から1996年にかけて結晶化させた電子交響曲シリーズ『Electronic Symphony IV』。同僚の作曲家Franco Evangelistiが「もはや音楽と呼ぶことのできない領域」と評した異次元の音世界を作品化したもので、オーケストラの伝統的なテクスチャーやドローン的な持続音を素材として自律的な電子システムへと投入。管弦楽的なテクスチャーの記憶を孕んだ音素材が、サイバネティックな自律システムの中で解体・再結合を繰り広げる。過酷なマグマのように蠢くダイナミズムと、静寂なドローン的持続音が幾重にも重なり合う高密度な電子音響空間。意図や形式美を超えて自己増殖する音像が圧倒的なスケールで迫る、電子音響の極北。

BBC RadioのJohn Peel Sessionに残された貴重なアーカイヴ音源から、1973年録音の「Up To The Bakerloo Line With Anne」と1974年録音の「Tony Wanna Go」を収録。ダモ鈴木、ホルガー・シューカイ、ヤキ・リーベツァイト、ミヒャエル・カローリ、イルミン・シュミットによる黄金期CANの即興性とミニマルなグルーヴを堪能できる一枚。BBCセッションならではの生々しい演奏が味わえる好編集盤。

1988年に英〈ReR Megacorp〉より発表された、イタリア実験音響シーンの二大巨頭Roberto MusciとGiovanni Venostaによる歴史的共作『Urban and Tribal Portraits』。世界のフィールド・レコーディングや各地の伝統楽器の音響断片と、都市的な電子音像、ピアノやサックスを交えた即興演奏をハイブリッドに編み上げた現代フォース・ワールド・サウンド。安易な異文化の引用やポストモダン的な皮肉に陥ることなく、即興の軽妙さとコンポジションの精密さを同居させることで、ノイズと楽音、過去と未来、都市と部族の境界を解体してみせる。音素材そのものが持つオーガニックな生命力と深い美意識が全編に満ちた、イタリア現代音響史に燦然と輝く名盤。