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Demdike Stareのメンバーであり、レーベル〈DDS〉の主宰、さらには屈指のマスタリング・エンジニアとしてもシーンを支えるMiles Whittaker。彼が1996年からの30年間にわたり、毎セッションの冒頭に機材と自身の回路を温める目的で行ってきたウォームアップ・ジャムの膨大なアーカイブから厳選されたソロ作品『Vault』。完成度を意識せず無頓着に録音されたからこそ宿る、最もピュアで奔放な音響実験の記録。Basic Channel直系のダブ・テクノを骨格に、ミキサーをレッドゾーンまで突っ込んだ強烈な歪みや、テープディレイの粗いノイズが充満。過剰なサチュレーションが生む偶然の歪みや歪んだ音塊が、This HeatやThrobbing GristleといったUKインダストリアル／ノイズの粗暴な美学と鮮やかに同期する。音響エンジニアとしての圧倒的な質感コントロールと、マシン・ジャムならではの生々しい熱量が交錯する重厚なエクスペリメンタル・ダブ・テクノ傑作。

Melati ESP、Tristan Arp、Kaaziの3人による多国籍ユニットAsa Toneのニューアルバム『Mutualkind』が名門〈Music From Memory〉から登場。インドネシア、メキシコシティ、ベルリン、ニューヨークと多拠点を跨ぐ遠隔交流とセッションを経て生まれたもので、電子ハンドパーカッションで声の断片をリアルタイム駆動させる等、声と打楽器、有機と無機の境界を解き明かす巧みな音響設計を展開。モジュラーシンセやFM音源の澄んだテクスチャー、MIDIウインドシンセに、バリ島の伝統太鼓クンダンの脈動や変容するボーカルが密やかに交錯する。Asa-Chang & 巡礼やVisible Cloaksにも通じる繊細な点描的リズムと多国籍なエレクトロニカが融合した、美しい無国籍アンビエント〜アヴァン・ポップの結晶。

モントリオールを拠点に活動するRichard Wengerによるソロ・プロジェクトの〈Stroom〉からのデビュー作『Loving You To Death』。自らを傷つけ続けることで、そばにいる人をも傷つけてしまう誰かとの関係についての作品。制作当初は、憂鬱な小さなリフを引き延ばし、Morphageneを通して長大なアンビエントへと変形させる試みを続けていたそうですが、あまりにも多くのサウンド・デザインに囲まれた現在の音楽環境への違和感から、最終的にはあえて音を作り込みすぎず、録音されたものをそのまま受け入れ、バンドを組まずに一人で完結。その結果生まれたのは、洗練や技巧よりも、旋律の素朴さ、録音の生々しさ、そして感情そのものの揺らぎを前面に出した音楽。執着的な関係性とドラマティックな感情、不完全さを不器用な歌心で表現した、ベッドルーム・エクスペリメンタル・ポップ。

Jan Jelinek主宰の名門〈Faitiche〉より、チェリストでありサウンドアーティストのTopu Lyoが東京のアパートで録音した極上のソロ・デビュー作『quiet scenes from tokyo』。長年のエレクトロニクス体験を経てセットアップを極限まで削ぎ落とし、アコースティック・チェロ1本とRoland RE-301 Space Echoのテープ・ディレイ、そして目の前を走る高速道路の交通ノイズを即興的に取り込んだ16編の音響ミニチュア集！緩やかなポルタメントやフィルターのような電子エフェクトをアコースティックの特殊奏法で再現し、フィードバック・ドローンからMoondogを思わせる軽快なピチカート、ミクロな音粒子が漂う微細なテクスチャーまで多彩な表情を提示。夕方5時の「夕焼小焼」や街のサウンドスケープが交通騒音とともに静かなアンビエンスを構築し、余白を活かしたスケッチのような親密さと現代電子音響の先鋭性が美しく共存するエレクトロアコースティック名盤！

新世代のマルチ奏者Telemakusが、Flying LotusやKarriem Riggins、Mndsgnをはじめ現行シーンを彩る豪華オールスター陣を迎えて創り上げた『Eight Ring Revival』。自ら手がける洗練された鍵盤アレンジを軸に、LAビート・シーン特有のスモーキーなビートメイクとオーガニックなジャズ・アンサンブルがしなやかに融合。SwarvyやMndsgnら異才との共作が生み出す重厚でレイドバックしたグルーヴに、ストリングスや管楽器の彩り、表情豊かなヴォーカルワークが心地よく交錯する。ビート・ミュージックとコンテンポラリー・ジャズが鮮やかに交差する、芳醇で洗練された音楽。100%リサイクル可能なPETプラスチックを用いた環境配慮型の仕様も含め、現代的な意欲作。

Meditationsでも静かで熱い支持を集める、ノルウェーのデュオ、Smerzの『Big city life』を14組のアーティストによるEDIT集として再構築した企画盤『BIG CITY LIFE EDITS』。参加アーティストは北欧エレクトロニックの重要人物Astrid Sonne、ML Buch、Clarissa Connellyをはじめ、USアンダーグラウンドのMIKE + Zack Sekoff、クラブ、実験音楽のToxe、シューゲイズ、ノイズ寄りのThey Are Gutting a Body of Waterなど、ジャンルも地域も横断した豪華ラインナップ。曲ごとにまったく異なる方向へ変形されており、原曲の持つひんやりとしたR&B/ポップ・マナーと、客演陣によるカオスでアヴァンギャルドな解釈の対比は、Smerzの世界観を外側から照らし直すよう。〈Escho〉というホームに戻ってのリリースという点も象徴的で、初期EPから続くSmerzの美学と、2020年代以降の北欧エレクトロニック・シーンの広がりがひとつの作品に結晶した一枚。

スウェーデン・マルメの地下シーンを牽引する〈Fasaan Records〉の主宰Prins Emanuelと、異才Golden Ivy、そしてInre Kretsen Gruppという現代北欧バレアリック〜レフトフィールドのキーパーソン3組によるトリオ第2弾『IME I』。情報過多で即時性が求められる現代の消費文化からそっと距離を置き、自ら切り拓いた独自の音楽領域をよりエレガントかつ深く探求したもので、ダブのスローモーなボトム、ジャズの即興性、フォークの有機的な温もり、そしてミュージック・コンクレートの実験的音響処理が絶妙な塩梅で交錯。繊細に配されたパーカッションや柔らかな旋律、流動的なドローンがオーガニックでシネマティックな音像を描き出していく。ダンサブルなグルーヴと、瞑想的な精神性が完璧な均衡を保った、時間の感覚を優しく停止させるかのような幻想的な聴き心地！

日本を代表する即興集団Marginal Consortに在籍する越川知尚による新プロジェクト、FuzzyToyShip。長年にわたり即興を活動の中心に据えてきた越川の表現の根源には、1960〜70年代に自由な即興の形を提示したタージ・マハル旅行団と小杉武久の存在がある。
そして1970年代、小杉が教鞭をとっていた講義に参加していた同級生たちと越川が結成したのが、伝説的な即興バンドEast Bionic Symphoniaである。このバンドは、現在のMarginal Consortの前身とも言える存在だ。
「Maiden Voyage」は、こうした越川の一連の活動を踏まえながら、自身が即興に感じた初期衝動を再訪し、即興未経験のメンバーとともに自身が考える理想的な即興のあり方を追求した作品である。そこでは、フリーフォームに、自由奔放に生み出されるさまざまな音が有機的に連なりながら、一方向に回収されないような形で、多元的で混沌とした音響空間が描き出されている。前作「Nebula」が50年間の越川の持続音と作曲の実験を示したものとすれば、今作は即興というもう一つの越川の音楽世界を紹介する作品となっている。

私が最初に小杉武久の音楽を聴いたのは１９７２年１１月の高橋悠治のコンサートの中で演奏された「ピアノウェイヴミックス」であったと記憶している。そのサウンドは秘教的であると同時になにか懐かしい風景を見ているようなものであった。その演奏には集団即興グループ、タージマハール旅行団のメンバーが参加していた。ピアノ以外の音(声)は楽譜では具体的なピッチ等は指示されておらず、即興的に発せられたように聴こえた。その後１９７４年に新宿の画廊マトグロッソで行われていたタージマハール旅行団のライブに通うようになった。そこでの演奏は私が「即興演奏」という言葉に描いていた理想形を具現化しているように思われた。そして１９７５年に小杉の美学校、音楽教場が開催されたのでそれに参加した。翌年、生徒たちの卒業制作ということでLP(ビニールレコード)を作成した。グループ名はイースト・バイオニック・シンフフォニア(EBS)。EBSは運営面で問題があり、メンバーの間で目指す方向性にズレがあり、方向性が定まらないまま、散発的なライブを経て自然消滅したと記憶している。私はその時は傍観者的なスタンスで、常勤の職に就いたこともあり、活動継続に積極的でなかった。しかし集団即興演奏については常に頭の中にありながらも具体化する手段はなかった。その後１９９７年に音楽教場で一緒だった今井和雄氏が即興グループを立上げ、「マージナルコンソート」として発足した。私も参加し、現在も活動している。それとは別に２０２２年から即興演奏を行い、後半聴衆に演奏に加わってもらうワークショップ形式の活動をするようになった。そして聴衆の中に自由な即興を理解してくれる方が何人か現れ、私の中でグループにできないかという気持ちが出てきた。もしかしたら５０年前に積極的に関わらなかったEBSの再現を探すような感覚かもしれない。マージナルコンソートは２０数年の活動の中で発音の手段、システムが各自進化しイヴェントごとに様々なセットを組むが総体としてほぼ確立されてきているように感じる。(あくまで私の見方であるが)　そこで新グループでは試行錯誤、手探りで音を作っていく体験、さらに全員の音の中でフィードバックさせ、バランスをとっていく中で自分の音を客観的に聴く体験、そんなプロセスの連続を目指したいと思った。音響システムはプリミティブではあるが、基本、各自自分の楽器、マイクを用意し、手元ミキサーでミックスした音をPAに繋ぐ。ただし今回のレコーディングでは三橋はマックノートから無線システムでワイヤレスにPAに繋いでいる。義本はミキサーを持たないので他メンバーのミキサーの空きチャンネルを使用した。伊藤はベースだけはベースアンプ使用しPAには繋いでいない。メンバーは私以外この関わりの前には自由集団即興の経験はない人達である。メンバーの経歴は、泉は、お囃子連に所属し篠笛を担当、ジャズドラム、オーケストラのパーカッションも務める。伊藤はフリージャズ愛好者だが普段はスタンダードのジャズベースでセッションに参加している。三橋はやはりフリージャズ愛好者だが普段はフュージョン系バンドでベースを弾いている。義本は弾語りで童謡、唱歌を歌う会を主催、平行してジャズボーカルを続けている。バイオリンも嗜む。全員、普段自分がやっている音楽以外への拒否感はなく、自然体で録音に参加されていた。このカセットをお聴きになる方もリラックスして「家具の音楽」のようにお聴きいただきたい。　　越川

弊店でも毎度瞬殺完売必至の大人気レーベル、濃密な音楽体験をお約束する〈Cairo Records〉の遂に最終章コンピレーションが登場！内容はクラシック・ソウル／R&Bの魅力を凝縮した選曲で、躍動感のあるロッカーから、深くメロウなバラードまでを収録。とりわけ後者を中心に、歌声、リズム、ホーン、ストリングスが濃密に絡み合う、黄金期ソウルの豊かな情感を堪能できる一枚です。Mississippi recordsがディストリビューションする、このコアな黒人音楽遺産レーベルの最新作は今日までヴァイナルでのリリースも為されてこなかったデモ曲含め、著名アーティストから発見することすら困難なオブスキュアな無名アーティストまで超絶ディープなバラッドの数々を収録した、Harry SmithのAnthology Of American Folk Musicのソウル版とも言うべき、鋭い審美眼にて選び抜かれた豪華ソウル・ミュージックの数々を収録。金箔プリント・カバー仕様。24ページにも渡るフルカラー・ライナーノーツが付属。完全限定盤。同レーベルからのコンピは再プレスもなく、瞬時レア化しているため今回も争奪戦が予測されます。この機会を絶対にお見逃しなく！全音楽好きに大・大・大・大・大推薦です！

徹底したアヒンサーを提唱実践、「ノイズ」の枠を超越したオルタナティヴな表現を試み続けるジャパノイズ伝説、Merzbowが2004年にリリースしたカセット期の異色名作『Tamago』が、イタリアの重要ノイズ・レーベル〈Urashima〉より、当時のセッションから掘り起こされた未発表ボーナストラック2曲を追加収録し、木製の卵型特殊パッケージでリイシュー。2000年代初頭のラップトップ期における緻密な音響アプローチが結実した本作は、単なる音圧の暴力ではなく、電子音のループや周波数の微細な変化、機械的なパルスの反復によって催眠的な緊張感を構築する傑作。本人の愛鳥による鳴き声をデジタル処理で著しく歪ませ伸長させたタイトル曲をはじめ、生体音とデジタル・フィルターが交錯するテクスチャーが圧巻。反復と変容の美学が冴え渡る、ノイズ表現の新たなる側面を提示した重要作。

John Cassavetes監督の『A Woman Under the Influence』や『Love Streams』など、数々の伝説的独立映画を音響・音楽面で陰から支え続けた独学のミュージシャン／音響家Bo Harwood。本作は、映画制作の過程で残された貴重なマスターテープやスケッチ録音から全9曲を厳選し、知られざる偉大な足跡を一枚の作品として捉え直したもの。完璧に整えられたスタジオ録音とは一線を画す、アコースティック・ギターの素朴な爪弾きや骨組みだけのピアノ、そして飾り気のない歌声。John Cassavetesがあえて洗練よりもその生々しさや繊細な脆弱さを愛したという仮録音の数々は、映画の持つ奇妙でロマンティックな情緒を宿しながらも、単なる劇伴の枠を超えて一歩踏み込んだ親密さを醸し出す。アメリカン・プライベート・フォークの隠れた傑作としても静かな感動を呼ぶ、タイムレスで愛おしい一枚。

80年代アフリカン・エレクトロを現代に継承するスペインのピアニスト、プロデューサーAnthoniusによる、モーダルジャズを軸に、エジプト、エチオピア、ブラジル、ラテン、カリブ、フラメンコまで多文化的な音楽語法を横断する、トランス・トロピカル・モーダルジャズ探求作『Origen』。モーダルハーモニーに、乾いた質感のホーン、柔らかいパーカッション、ブラジル、ラテン、カリブの揺れるリズムが重なり、砂漠の風景とトロピカルな湿度が同時に立ち上がるような独特の広がりを持つ。エジプト、エチオジャズの影、フラメンコ的な旋律のニュアンスが時折自然に差し込み、複数の大陸がひとつのモードの上で会話しているような感覚を生む。ワリー・バダロウやフランシス・ベベイ、ムラトゥ・アシュタトゥケ、ファラオ・サンダースらの系譜を現代的に再解釈し、文化の交差点としてのジャズを鮮明に示す一枚。

ドイツの実験音楽集団Institut für Feinmotorikによる、8台のターンテーブルと4台のミキサーを使いながら、レコードを一切使わずに制作された異色の作品『Öd』。ゴムバンド、CD、アルミ箔、廃材などをターンテーブル上でこすり合わせ、摩擦、ループ、静電気といった物理的な現象をそのまま音素材として扱っている。6つのゆるいグリッド外のリズムで構成され、即興的なプレイとランダムなループが多層的に絡み合う。輪郭だけが浮かぶようなダブのグルーヴ、揺らぐアンビエント・テクノ、金属片が転がるような即興的ノイズのあいだを絶えず行き来し、音がいつ崩れたり変形したりするかわからない不安定さが魅力になっている。ターンテーブルという物理的な装置を使った音響実験でありながら、どこか奇妙にファンキーなグルーヴが立ち上がるのが印象的で、取るに足らない素材から予想外の可能性を見つけ出すというアルバムの精神が詰まった、音響実験の枠を超えて語り継がれるべき異色の傑作。

1980年代初頭の福岡、博多の裏通り、ネオンの光と月明かりに照らされて、異彩を放っていたニューウェーヴ・バンド、Neo Museum。彼らが1984年に残したカルト的名作EP『Moonlight』の全曲をはじめ、1983年から1985年の間に録音された未発表＆レア音源を網羅し、彼らの活動の全貌を集約したアーカイヴ作。硬質なミニマル・シンセや無機質なリズム、静けさを切り裂くアッパーなギターが織りなす冷徹なダークウェーヴ・サウンド。そこにガムラン的なパーカッションやオリエンタルな音響アプローチが不気味に融和し、極東ならではの洗練された闇と儀式的なサイケデリズムを立ち上げている。80sジャパニーズの極上のミステリアス・シンセ・ポップ。

スウェーデンのサウンドアーティストKlara Lewisによる、フィールド録音、電子音響、アコースティック楽器音の再構築という自身の美学をさらに推し進めた『Opening』。ざらついたフィールド録音が突然リズムへ切り替わり、そのまま別の音響層へ滑り込むように移行する。ウクレレやピアノといったアコースティック楽器は、原型がかすかに残る程度まで解体され、残響のような形で再登場する。低域の塊がゆっくり脈打ち、圧力と抽象的な空間性が同時に立ち上がったかと思えば、微細な粒子が散らばるような音響が広がり、音は常に変形し続ける。〈Editions Mego〉からのリリースらしい、音を歪ませながらも曲として成立させるLewisの手法が新たな段階に達した作品。

ノルウェー現代音楽の打楽器界の重鎮Kjell Samkopfが、1981年にヘニー・オンスタッド芸術センターで録音した珠玉のソロ作『Music for Solo Percussion and Electronics』。長らくマニア間で珍重されてきた貴重な初期電子音響〜パーカッション名盤が、待望の初再発。バークリーで培ったジャズや即興演奏の知見を背景に、コオロギの鳴き声や鳥のさえずりといった自然界の環境音と、ヴィブラフォン、マリンバ、ベルのクリアな響きを繊細に融合。終盤にかけて重厚なアナログ・シンセサイザーの音響が緻密に打ち出され、テクノロジーと自然環境の境界を鮮やかに描き出している。高田みどりやVisible Cloaksのアプローチにも繋がる、第4の世界感覚を孕んだレフトフィールド音響の傑作。

世界各地のアーティストが「豆腐」という食文化を独自の音響表現へと翻訳した、実にユニークなコンピレーション『Tofu: Original Soundtrack』。イギリスのレーベル〈pleasant place〉のオーナーであり、ジャーナリストでもあるRussell Thomasによる著書『Tofu: A Culinary History』の刊行を記念して制作された本作は、豆腐にまつわるフィールド・レコーディング、DIYシンセサイザーによるエレクトロニクス、アンビエントなど、多彩な音楽的アプローチを通じて、豆腐という食材の歴史、神話、物質性、文化的な記憶を音響へと変換した意欲的なプロジェクト。

中国、日本、韓国、台湾をはじめとする東アジア・東南アジアの食卓で何世紀にもわたり親しまれてきた豆腐。素朴でありながら驚くほど多様な変化を遂げ、土地ごとの食文化や生活に深く根付いてきたこの加工食品を、本作では単なる食材としてではなく、人々の営みや歴史、文化をつなぐ存在として捉えています。

東京のプロデューサーaus(FLAU)による、豆腐の不思議な物質性を探る幻想的なアンビエント・エレクトロニクスで幕を開け、Rebecca Burdenは古代中国の神話と音楽が持つ破壊的な力に着想を得た重厚なエレクトロアコースティック作品を披露。twenty eyesは日本の狐にまつわる民間伝承の超自然的な世界を漂い、Yumi IwakiとTonia Koは豆乳が凝固し豆腐へと変化する神秘的な過程を、煌めくモジュラー・シンセシスと触覚的なサウンドアートへと変換しています。Yetsubyは温かな質感を持つ繊細なエレクトロニクスによって豆腐の持つ家庭的な安心感を表現し、Stella Chin-Ting Yangはタイや台北で収録したフィールド・レコーディングとシンセサイザーを融合させ、豆腐の多彩な食感やテクスチャーを音響化。さらにLookfar名義のLouie Zongは、発酵豆腐を取り巻く微生物の世界から着想を得た、深く湿潤なダンジョン・シンセへと踏み込みます。

後半ではNick Luscombeが東京の現役豆腐店で収録した親密なフィールド・レコーディングを通じて日常の営みへと回帰。そしてVGMシーンでも知られるbo enが、民俗的な祝祭を思わせる高揚感に満ちた楽曲で、まるで映画のエンドロールのようにアルバムを締めくくります。

日本、韓国、台湾、イギリス、アメリカのアーティストが参加し、アンビエント、エレクトロニカ、フィールド・レコーディング、モジュラー・シンセシスなど、多彩な音楽的実践が交錯。瞑想的であったり、遊び心に満ちていたり、時に奇妙で祝祭的であったりと、それぞれが異なる視点から豆腐という存在を捉えながら、ひとつの有機的な作品世界を形成しています。土地ごとの伝統に根ざしながら、異なる文化へと浸透し、絶えず姿を変えてきた豆腐。その歴史と神話、日々の営み、そして人々の共有する文化的記憶を、音楽というもうひとつのメディアを通して再発見する、食文化と実験音楽の交差点に生まれた興味深いコンピレーション。

名門〈Numero Group〉が発掘・初復刻を果たした、1971年メキシコ・アカプルコ録音の幻のプライベート・ボサ／アシッドフォーク名盤『Alejandro Bravo』。豪華客船でやってくる海外の観光客でにぎわう一大高級リゾート地で出会った当時のアカプルコの浮世離れしたムードを纏いつつも、実際はアレハンドロ・ブラーボが自宅で自主制作したアルバムで、アコースティックギター1本とトイ・パーカッション、そしてスペイン語特有の艶やかな歌声を武器に、ボサノヴァやサンバのステップと1950年代末〜60年代のニューヨーク的なキャッチーで洗練されたポップセンスを融合。軽快なタッピングやトリルが織りなす素朴で湿度のあるサウンドは、どこか妖しくも甘美な南国の夜の情緒を漂わせるている。ヴィンテージ・ラテンや秘境アシッドフォークとして楽しめそうな、好内容な逸品。

電子音楽からアコースティック音響への劇的な転換を果たした巨匠Eliane Radigueの晩年の大作『Occam』シリーズより、チェロ奏者Charles Curtisとファゴット奏者Dafne Vicente-Sandovalを迎えた『Occam XIII, Occam River XI, Occam V』。楽譜を用いず奏者との対話と口頭伝承のみで作品を構築する独自のメソッドにより、スイスのサン＝テオドゥール寺院の豊かな響きの中で録音された深遠なドキュメント。「オッカムの剃刀」の哲学に基づき極限まで削ぎ落とされた音数から、チェロとファゴットが持つ細密な倍音や微細な波形の揺らぎが静かに創出。幾重にも重なる持続音が寺院の空間と干渉し合い、人間の聴覚の限界に語りかけるような、静けさの中に圧倒的な音響密度を誇るミニマル・ドローン空間を作り上げている。演奏家と作曲家の境界線を解き放ち、音そのものの微小な振る舞いの内部に巨匠ならではの霊的境地が宿る至高の現代音響。

マンチェスターの鬼才Andy Stottが、名門〈Modern Love〉から実に5年ぶりとなる待望のニュー・アルバム『Late Loop』を発表！長年のボーカル・パートナーであるAlison Skidmoreに加え、今回初参加となるElaine Howleyをフィーチャーし、ドローンや空間音響など幾度もの解体を経て到達した、剥き出しの歌と静謐なエレクトロニクスが交錯する。ベースラインなし、リバーブなし、エフェクトはディレイ1台のみというなしなし尽くしの極限の制約のもと、スピーカーから鳴らしたドラムを部屋の空気ごと再録音してピッチダウンさせ、オルガンを床置きマイクで拾うといった原始的な録音アプローチを採用。残響や重低音による装飾を限界まで削ぎ落とした音像は、音の結び目や息づかいがそのまま露わになったような密やかな透明感と儚い美しさを醸し出している。Rashad Beckerによる精緻なマスタリングとMyriam Boulosの写真が彩る、繰り返し聴くごとに細部が息づく傑作！

現代実験電子音楽シーンを牽引するJules NégrierとMaria W Hornによる、深遠なスプリット『An Iris Crackled Like Eyelids / All Solids Melt Into Aether』。片面では、感情を反映したような旋律の揺らぎと、不規則な音響のねじれへと緻密に変化するミステリアスな電子音響空間を展開。もう片面では、限界まで追い込まれたパイプオルガンの風圧が生む温かくも不安定な和音と、極冷で緻密なコンピュータ音響がぶつかり合い、多層的なドローンと重厚なハーモニーを創出している。Stephen O’Malleyが手掛けるアートワークも象徴するように、音の歪みと形成、そして崩壊のプロセスを美しく突き詰めたダークで重厚な一枚。

INA-GRMの歴史的立体音響システム、アコースモニウム、のために制作された、Amina HocineとEspen Sommer Eideによる長編音響作品を収めたPortraits GRMシリーズのスプリット『X3 / Phonophani - Until the Fish Eyes Shine』。片面では、自作のフォグホーン・オルガンと澄んだサイン波、フィールド・レコーディングが波のように重なり合い、静寂から微細に移ろう瞑想的ドローンを展開。もう片面では、90年代後半の北欧トロムソにおけるアンビエント・テクノの残照を背景に、極冷な実験音響とノスタルジーが地層のように交錯する幻想的な電子空間を構築している。Stephen O'Malleyの手掛けるマット仕上げの装丁も美しい現代電子音響作品。

ドイツ人アーティスト、ヨーゼフ・ボイス（Joseph Beuys）の作品集。2024年11月から2025年3月にかけて現代美術館「ザ・ブロード（The Broad）」で開催されている展覧会に伴い刊行された。環境問題と結びつけて制作した作品と、それに触発され続ける社会の変革に対する新たな視点を我々にもたらす一作。

「ザ・ブロード」が多数所蔵する作者のマルチプル・コレクションを基にした「Joseph Beuys: In Defense of Nature（ヨーゼフ・ボイス：自然を守るために）」は、環境に対して作者がいかに介入しているかに中心を据えている。このプロジェクトは、直接民主主義などのオルタナティブ組織の設立から、「緑の党」への参加まで、活動家としての長い歴史をたどるものである。これらの活動は、作者のプロジェクト「7000本の樫の木（7000 Oaks）」に結実した。この企画は1982年の「ドクメンタ7（documenta 7）」で始められ、1987年の「ドクメンタ8（documenta 8）」まで続けられた、ドイツのカッセル市内に無機物であり死を象徴する玄武石を敷き、その横に生を示す樫の木を植えるというものであり、作者にとって最後の大規模プロジェクトであった。このコンセプトは、「ザ・ブロード」初の常設オフサイト展示プロジェクト「Social Forest: Oaks of Tovaangar（ソーシャル・フォレスト：トヴァンガルのオーク）」にインスピレーションを与えた。これは、「Getty」のイニシアティブ「PST ART」の一環として発足したロサンゼルスの森林再生プロジェクトである。環境正義、和解、再興という重なり合う問題を取り上げた作者のプログラムにより、「ソーシャル・フォレスト」は「7000本の樫の木」が与え続けた影響を浮き彫りにし、40年後、同じように修復が求められる大きく異なる風景の中においても、作者が遺したものに新たな意味をもたらしている。

hardcover
128 pages
205 x 254 mm
color, black and white
2024

1948年にMoses Aschによって設立され、アインシュタインの助言から、世界のあらゆる音を記録し続けた米独立系名門レーベル〈Folkways Records〉。その膨大なカタログを飾った美しく刺激的なジャケット・アートワーク群を、〈Soul Jazz Records〉がLPサイズの大判ハードカバーで編纂した豪華ヴィジュアル・ブック。Woody GuthrieやLead Belly、Pete Seegerらのルーツ・フォーク、John CageやCharles Ivesらの前衛・現代音楽、さらには熱帯雨林のフィールドレコーディング、市民権運動のスピーチまで、多様な音響遺産が壮麗なグラフィックとともに蘇る。専任デザイナーのRonald Clyneらが手掛けたタイポグラフィとモダンなデザインは、学術的な真摯さと強い存在感を提示。音楽史・文化史の重みとグラフィック・デザインの美学が横断する、至高のアーカイブ。