NEW ARRIVALS

emerことMarija RasaとシンガーUgnė Umaによる、夢の中で出会ったような感覚から始まったと語られる、眠りと記憶のあいだに漂うようなコラボアルバム『you and me』。emerが紡ぐのは、柔らかい残響と淡いシンセが揺れる白昼夢的ダブ・アンビエンス。ビートは控えめで、音の輪郭は曖昧。時間が少しだけ伸びるよう。そこに重なるのが、Ugnė Umaのスモーキーな歌声。囁くような発声が多く、耳元でそっと語りかけられているような近さが印象的。言葉の隙間に感情が滲み、曲に温度と人間味を与えている。サウンドはアンビエント、フォーク、エレクトロニックの境界線を自然に行き来しながら、歌ものアンビエントと呼びたくなる独自のバランスを保っており、魔術的リアリズムのような世界観で、現実と夢の境界がゆっくり溶けていくような感覚が続く。全12曲、どれも短い物語のようにまとまっていて、日常の中にある小さな魔法を音で掬い取ったような一枚。

2562やA Made Up Sound名義でも知られるプロデューサーDave Huismansが手がけるプロジェクト、ex_librisのシリーズ第4弾12インチ作品。これまでの音響世界を継承しつつも、よりリズムにフォーカスを当てた変則的なアプローチが光る。余計な装飾を削ぎ落としたミニマルな骨格ながら、ダイナミクスを限界まで高めたパーカッシヴなミッドテンポ・サウンドを展開。抑えの効いたビートと変則的な打楽器が精密なモザイクのように折り重なり、生々しく躍動する空間美を作り出している。ダブステップやレフトフィールド・テクノ、現代ダブの探求者には見逃せない、ダイナミックで洗練された一枚。

80年代アフリカン・エレクトロを現代に継承するスペインのピアニスト、プロデューサーAnthoniusによる、モーダルジャズを軸に、エジプト、エチオピア、ブラジル、ラテン、カリブ、フラメンコまで多文化的な音楽語法を横断する、トランス・トロピカル・モーダルジャズ探求作『Origen』。モーダルハーモニーに、乾いた質感のホーン、柔らかいパーカッション、ブラジル、ラテン、カリブの揺れるリズムが重なり、砂漠の風景とトロピカルな湿度が同時に立ち上がるような独特の広がりを持つ。エジプト、エチオジャズの影、フラメンコ的な旋律のニュアンスが時折自然に差し込み、複数の大陸がひとつのモードの上で会話しているような感覚を生む。ワリー・バダロウやフランシス・ベベイ、ムラトゥ・アシュタトゥケ、ファラオ・サンダースらの系譜を現代的に再解釈し、文化の交差点としてのジャズを鮮明に示す一枚。

中東や北アフリカのアラブ圏の、知られざるファンク、ソウル、ジャズを発掘する名門〈Habibi Funk〉が新設したレーベル〈Audible Beauty〉からマレーシア産極上ジャズが登場！マレーシア音楽史の礎を築いた作曲家であり編曲家Alfonso SolianoがRadio Television Malaysia向けに残した幻の録音をまとめたアーカイブ作品『Tiga Trombone』。当時は放送用に数十枚のみ制作されたという希少音源を、家族の正式ライセンスのもとで復刻した充実作。ジャズ、ラテン、マレー伝統音楽が自然に交差する独自のサウンドが魅力で、ホーンセクションは柔らかく、時にラテン的な軽快さを帯び、リズム隊はしなやかなスウィングとトロピカルな温度感を併せ持つ。メロディには土地の空気感が滲み、マレー語の響きやローカルの情緒がジャズのフォーマットの中で立ち上がるような印象。風景がゆっくり変化するようなアレンジが続き、ピアノやホーンのフレーズが柔らかく連なりながら、地域性とジャズの普遍性が美しく重なる。未発表写真や詳細なライナーノーツを収めたブックレットも付属。

中東や北アフリカのアラブ圏の、知られざるファンク、ソウル、ジャズを発掘する名門〈Habibi Funk〉が新設したレーベル〈Audible Beauty〉からマレーシア産極上ジャズが登場！マレーシア音楽史の重要人物、Johari Sallehが1970年代に残した極めて希少な放送用録音をまとめたアーカイブ作品『Jazz Dari Angkasapuri』。〈Habibi Funk〉の姉妹レーベル〈Audible Beauty Records〉による復刻で、遺族公認の正式ライセンス、未発表写真、詳細なライナーノーツを収めた12ページのブックレット付き決定版。ジャズのモーダルな深みとマレーシア固有の旋律感が自然に交差する独特の質感。柔らかいトランペットが滑らかに旋律を導き、リズムはしなやかなスウィングからジャズ・ファンク的な躍動まで幅広く展開する。70年代ジャズの熱量とマレーシアの旋律美が心地よく混ざり合い、地域性とジャズの普遍性が美しく重なる音像が際立つ。南国マレーシアのゆるさがなんとも絶妙に漂う。長らくコレクターの間で語られてきた幻の録音を丁寧に掘り起こした、Salah Ragab、Ahmed Malek、Mulatu Astatkeらの地域性を帯びたジャズに繋がる一枚。

日本のヒーリング、アンビエントの先駆者宮下富実夫が、1989年の録音をもとに1991年に発表した名作『White Morning』が、ついにアナログ化。25分×2曲という長尺構成で、朝の光がゆっくり身体に満ちていく時間をそのまま音にしたような作品で、シンセサイザーの柔らかなレイヤーが静かに揺れ、音が演奏されているというより、もともと空間に漂っていた静けさを少しずつ照らし出すような感触がある。低音の脈動や倍音の膨らみが呼吸のリズムと自然に重なり、身体の内側がゆっくり整っていくような印象。微細な電子音と淡いアコースティックの響きの重なりは、祈りという行為の静かな意図だけを残したよう。吉村弘や芦川聡らが外の風景を描いたのに対し、内面の静けさをテーマに静かで澄んだ作品を残した宮下のアプローチが最も純度高く結晶した一枚。

ロシアはモジャイスクを拠点とするApollinaria KasparsのプロジェクトSettima Taccaによる、暗闇の中に残された水の在り処を示す標識という寓意的なテーマをもとに制作されたアルバム『A Cup, a Horse and Signs That Point at Wells』。ダウンビートやエレクトロニカ、レフトフィールドを横断するアンサンブルは、控えめなアレンジとダークなシンセの質感が印象的。80年代のミニマル・シンセやダンジョン・シンセに通じるヴィンテージなローファイ感と緻密な音響設計のなかで、抑制の効いたビートと儚く透き通るフィメール・ヴォーカルが織りなすメロディが美しく対比を描いている。陰影のある繊細なサウンドと静かな情熱が交錯する、ミステリアスで中毒性を秘めたエレクトロニック・ミュージック。

スウェーデン・マルメの地下シーンを牽引する〈Fasaan Records〉の主宰Prins Emanuelと、異才Golden Ivy、そしてInre Kretsen Gruppという現代北欧バレアリック〜レフトフィールドのキーパーソン3組によるトリオ第2弾『IME I』。情報過多で即時性が求められる現代の消費文化からそっと距離を置き、自ら切り拓いた独自の音楽領域をよりエレガントかつ深く探求したもので、ダブのスローモーなボトム、ジャズの即興性、フォークの有機的な温もり、そしてミュージック・コンクレートの実験的音響処理が絶妙な塩梅で交錯。繊細に配されたパーカッションや柔らかな旋律、流動的なドローンがオーガニックでシネマティックな音像を描き出していく。ダンサブルなグルーヴと、瞑想的な精神性が完璧な均衡を保った、時間の感覚を優しく停止させるかのような幻想的な聴き心地！

John Cassavetes監督の『A Woman Under the Influence』や『Love Streams』など、数々の伝説的独立映画を音響・音楽面で陰から支え続けた独学のミュージシャン／音響家Bo Harwood。本作は、映画制作の過程で残された貴重なマスターテープやスケッチ録音から全9曲を厳選し、知られざる偉大な足跡を一枚の作品として捉え直したもの。完璧に整えられたスタジオ録音とは一線を画す、アコースティック・ギターの素朴な爪弾きや骨組みだけのピアノ、そして飾り気のない歌声。John Cassavetesがあえて洗練よりもその生々しさや繊細な脆弱さを愛したという仮録音の数々は、映画の持つ奇妙でロマンティックな情緒を宿しながらも、単なる劇伴の枠を超えて一歩踏み込んだ親密さを醸し出す。アメリカン・プライベート・フォークの隠れた傑作としても静かな感動を呼ぶ、タイムレスで愛おしい一枚。

Meditationsでも静かで熱い支持を集める、ノルウェーのデュオ、Smerzの『Big city life』を14組のアーティストによるEDIT集として再構築した企画盤『BIG CITY LIFE EDITS』。参加アーティストは北欧エレクトロニックの重要人物Astrid Sonne、ML Buch、Clarissa Connellyをはじめ、USアンダーグラウンドのMIKE + Zack Sekoff、クラブ、実験音楽のToxe、シューゲイズ、ノイズ寄りのThey Are Gutting a Body of Waterなど、ジャンルも地域も横断した豪華ラインナップ。曲ごとにまったく異なる方向へ変形されており、原曲の持つひんやりとしたR&B/ポップ・マナーと、客演陣によるカオスでアヴァンギャルドな解釈の対比は、Smerzの世界観を外側から照らし直すよう。〈Escho〉というホームに戻ってのリリースという点も象徴的で、初期EPから続くSmerzの美学と、2020年代以降の北欧エレクトロニック・シーンの広がりがひとつの作品に結晶した一枚。

ブラジル音楽の発掘と新録を続ける〈Selva Discos〉から、70〜80年代ブラジル・ディスコの華やかさを現代的な音像で再構築したDiscoteca TropicanaのセルフタイトルEPが到着！Kiko CostatoとZé Nigroによるユニットで、ブラジルのトップ・スタジオミュージシャンが参加し、ストリングス、鍵盤、ギター、パーカッションが鮮やかに絡む豊かなアンサンブル。アフロブラジリアンの躍動感と都会的ディスコの洗練が自然に重なり、軽やかなスウィングがダンスフロアにもリスニングにも心地よく響く。カリンボーやブラジリアン・ソウルの要素が随所に感じられ、トロピカルな温度感と洗練されたアレンジが同居する、ブラジルならではのディスコティーク・サウンドを高い精度で提示する一枚。

11月下旬再入荷。AD 93からの『Blue Car』やDean Blunt作品への客演でも知られる、ロンドンのカルト的シンガーソングライターJoanne Robertsonのソロ3作目『Wildflower』。GnodのPaddy Shineらも参加したプライベートな録音空間のなかで、80年代ポストパンクの乾いたストローク、90年代グランジの残滓、Mazzy Starを彷彿とさせる退廃的なドローン・ポップが歪に交錯する。bar italiaをはじめとする現代のUKレフトフィールド・インディーの美学にも直結する、美しくも影を帯びた音像。変則チューニングを施したアコースティック・ギターの不揃いな響きと、極限まで装飾を削ぎ落とした静謐な歌声が絶妙な均衡を保つローファイ・フォークの佳作。

英国の才人Richard Anthony HewsonによるプロジェクトThe RAH Bandが1983年に放ったコズミック・ブギー／スペース・ディスコの傑作『Messages From The Stars』が〈Rush Hour〉より復刻。自宅スタジオのRoland SH-5で構築されたコズミックなシンセラインと跳ねるベースライン、そして当時の妻Liz Hewsonによる無邪気で親しみやすいヴォーカルが奇跡的なポップネスを結実。宇宙的なスケール感と温かみあふれる手作りの宅録感が同居する、クロスオーバーな唯一無二の音楽性は、当時の全英チャート42位から40年の時を経てカルト・クラシックとなり、DāM-FunKやFrank Oceanら数々のセレクターを魅了しTikTokでのバイラルヒットへと繋がった不朽の名曲。

2026年リプレス！リトアニアの伝統的な民謡を、現代の音響感覚によって新たな世界へと解き放つ、ベルギーを拠点とするアンサンブルMeropeの2021年発表の名作『Salos』。リトアニアの伝統楽器カンクレスを奏でるIndrė Jurgelevičiūtėの幽玄な歌声を中心に、ギター、シンセサイザー、電子音響、バンスリー、チェロ、そして合唱が織りなす、古代と現代、土地の記憶と夢幻的な音響が交差するエクスペリメンタル・フォーク。

1974年にBlue Noteからリリースされた、フルート奏者Bobbi Humphreyの代表作。Mizell Brothersがプロデュース／作曲を手掛け、Larry Mizellによる洗練されたR&B／ジャズ・ファンクのサウンドと、Bobbi Humphreyの艶やかなフルート、軽やかなヴォーカルが絶妙に溶け合った名盤。
ファンクの強いグルーヴを軸に、浮遊感のあるフルートと豊かなエレクトリック・サウンドが重なり、70年代Blue Noteならではの都会的で開放的な音像を生み出す'Harlem River Drive'や、Donald Byrd『Black Byrd』をはじめ、Mizell Brothersが手掛けた一連の作品とも呼応しながら、ジャズとソウル、ファンクの境界を軽やかに越えていく'Blacks and Blues'他を収録。ジャズ・ファンク／レアグルーヴの定番として長く愛されてきた一枚であり、Bobbi Humphreyの魅力を最も端的に味わえる代表作。

2026年リプレス！デトロイト・テクノの巨匠Carl Craigと、ベルリン・ダブ・テクノの開拓者Moritz von Oswald。電子音楽界のふたりの先駆者がタッグを組み、なんと〈Deutsche Grammophon〉のアーカイブを再構築した音響芸術の2008年傑作『ReComposed』が待望のリプレス！ヘルベルト・フォン・カラヤン指揮、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団によるモーリス・ラヴェルやムソルグスキーの歴史的名演を素材に、解体と再構成を重ねる。オーケストラの音源を単純にリミックスするのではなく、フレーズや音の断片、細かなパターンへと細分化。ラヴェル特有の色彩豊かなオーケストレーションは繊細な電子音響のテクスチャーと調和し、ムソルグスキーの壮大なドラマ性はデトロイト特有のディープなグルーヴと予期せぬ融合を果たしている。厳格な構造美と静けさ、そして脈打つミニマリズムが高次元で均衡した洗練のサウンドを展開。断片にも宿るクラシックの歴史の積み重ねと対峙した、電子音楽史に輝く金字塔的作品！

ナポリ拠点のNu Geneaが、地中海圏の多文化性とアフロ・ディスコのエネルギーを前面に押し出した最新作『People of the Moon』。前作『Bar Mediterraneo』の成功を受け、今作では港町ナポリの祝祭性、街のざわめき、海風の湿度をそのまま音に変換したような躍動感が際立つ。軽快なパーカッション、跳ねるベース、陽光のように明るいホーンが絡み、70〜80年代のイタロ・ブギーや地中海ポップの質感を現代的に再構築している。Célia KameniやMarina Mulopulosらゲストのヴォーカルが作品の表情を豊かにし、言語のミックスが多文化都市ナポリの空気を強める。アフロ・ビート由来の反復やコール＆レスポンスが自然に溶け込み、柔らかい高揚感を生む。アーカイブ感と現代性のバランスが絶妙で、Nu Geneaらしい生活と音楽の距離の近さがより洗練された形で提示されている。地中海の都市の祝祭をそのまま記録したような、生命力に満ちたネオ・ディスコ作品。

2011年、東日本大震災後に日本人アーティストMarterがNYのYonyを訪れた際のセッションを起点に、長い年月を経て形になったアナログ録音のダブ作品『Rhythm Matter』が、EPや未発表曲を加えたDeluxe Editionとして再構築。カセット、4トラック、リール・トゥ・リールで録られた素材をPro Toolsで丁寧に編集した制作工程が、テープ特有の丸い低域や柔らかいエコーをそのまま音像に残している。Basic ChannelやRhythm & Sound、King Tubbyへの明確なリスペクトがあり、ダブの重心とディープハウスの浮遊感が自然に重なるグルーヴが特徴。ベースは波のようにうねり、ギターやキーボードは淡い残響をまといながら空間を照らし、ライブ・ダブの呼吸がそのまま録音に刻まれたような生々しさがある。ベルリンとキングストンの系譜を理解したダブ・テクノとも評された、2018年のデジタル版で話題となった作品を、デラックスエディションとして再構成した決定版のアナログ再発。

Vincent Yuen Ruiz率いるコペンハーゲンのRytmisk Musik Konservatorium出身アーティストによる、静謐な室内楽的アプローチのアンビエント・ジャズ作品。ピアノ、ダブルベース、ドラムという伝統的なトリオ編成を取りながら、誰かが主役になるというヒエラルキーを避け、沈黙、空間、集団的注意を音楽の中心に据えている。ピアノは淡い光を落とすように響き、ダブルベースは深い影を作り、ドラムは空気の動きを確かめるように最小限のアタックを置く。3人の演奏は役割分担ではなく、同じ呼吸の中で音を置いていく水平なアンサンブルとして機能し、クラシカルな和声、ミニマリズム、即興の語法が自然に重なっていく。音の密度は常に薄く、影と光のコントラストがゆっくりと変化し、ジャズでも現代音楽でもアンビエントでもない、独自の音楽性の一枚。

オークランドを拠点に活動するプロデューサーSpace Ghostが、カルト的人気を博した前作から約4年の歳月を経て完成させたソロ・アルバム『Back From Reality』。90年代末から2000年代初頭のPS2時代を思わせるゲーム音響や起動画面のセーブBGMが持つノスタルジアを原動力に、ウエストコースト・ジャズの情緒やミッドウェスト・ディープハウスのしなやかな脈動、第4世界的なチルアウト感覚を融合。深夜のオークランド港を車で流しながら研ぎ澄まされたメロウなシンセサイザーと柔らかなビートダウンの揺らぎが、日常のなかで自身を取り戻すエスケープの場所tなるような、チルアウト・ダウンテンポ。

〈One Records〉主宰の一人として第一線を歩んできたSubb-anことAshique Subhanが、5年もの歳月を費やして完成させたキャリア初のダウンテンポ作『Lotus Rising - आशिक अली』。クラブの機能美から一歩離れ、自身の持つ南アジアのルーツと自己変容のプロセスに静かに向き合ったもので、Akash Parekarによる神秘的なシタールの音色や、Kate Fleur Youngらの澄み切った歌声とシンギングボウル、さらにはMaribou StateのJonny Cadeらによる生々しいリズム隊が、ディープな電子音響と優美に融合。東洋の伝統的な音響美学とUKエレクトロニクスの緻密なプロダクションが交錯する、確かな体温と内省的な静寂、穏やかな回復のエネルギーを湛えた、極上のオーガニック・ダウンテンポ。

日本を代表する即興集団Marginal Consortに在籍する越川知尚による新プロジェクト、FuzzyToyShip。長年にわたり即興を活動の中心に据えてきた越川の表現の根源には、1960〜70年代に自由な即興の形を提示したタージ・マハル旅行団と小杉武久の存在がある。
そして1970年代、小杉が教鞭をとっていた講義に参加していた同級生たちと越川が結成したのが、伝説的な即興バンドEast Bionic Symphoniaである。このバンドは、現在のMarginal Consortの前身とも言える存在だ。
「Maiden Voyage」は、こうした越川の一連の活動を踏まえながら、自身が即興に感じた初期衝動を再訪し、即興未経験のメンバーとともに自身が考える理想的な即興のあり方を追求した作品である。そこでは、フリーフォームに、自由奔放に生み出されるさまざまな音が有機的に連なりながら、一方向に回収されないような形で、多元的で混沌とした音響空間が描き出されている。前作「Nebula」が50年間の越川の持続音と作曲の実験を示したものとすれば、今作は即興というもう一つの越川の音楽世界を紹介する作品となっている。

私が最初に小杉武久の音楽を聴いたのは１９７２年１１月の高橋悠治のコンサートの中で演奏された「ピアノウェイヴミックス」であったと記憶している。そのサウンドは秘教的であると同時になにか懐かしい風景を見ているようなものであった。その演奏には集団即興グループ、タージマハール旅行団のメンバーが参加していた。ピアノ以外の音(声)は楽譜では具体的なピッチ等は指示されておらず、即興的に発せられたように聴こえた。その後１９７４年に新宿の画廊マトグロッソで行われていたタージマハール旅行団のライブに通うようになった。そこでの演奏は私が「即興演奏」という言葉に描いていた理想形を具現化しているように思われた。そして１９７５年に小杉の美学校、音楽教場が開催されたのでそれに参加した。翌年、生徒たちの卒業制作ということでLP(ビニールレコード)を作成した。グループ名はイースト・バイオニック・シンフフォニア(EBS)。EBSは運営面で問題があり、メンバーの間で目指す方向性にズレがあり、方向性が定まらないまま、散発的なライブを経て自然消滅したと記憶している。私はその時は傍観者的なスタンスで、常勤の職に就いたこともあり、活動継続に積極的でなかった。しかし集団即興演奏については常に頭の中にありながらも具体化する手段はなかった。その後１９９７年に音楽教場で一緒だった今井和雄氏が即興グループを立上げ、「マージナルコンソート」として発足した。私も参加し、現在も活動している。それとは別に２０２２年から即興演奏を行い、後半聴衆に演奏に加わってもらうワークショップ形式の活動をするようになった。そして聴衆の中に自由な即興を理解してくれる方が何人か現れ、私の中でグループにできないかという気持ちが出てきた。もしかしたら５０年前に積極的に関わらなかったEBSの再現を探すような感覚かもしれない。マージナルコンソートは２０数年の活動の中で発音の手段、システムが各自進化しイヴェントごとに様々なセットを組むが総体としてほぼ確立されてきているように感じる。(あくまで私の見方であるが)　そこで新グループでは試行錯誤、手探りで音を作っていく体験、さらに全員の音の中でフィードバックさせ、バランスをとっていく中で自分の音を客観的に聴く体験、そんなプロセスの連続を目指したいと思った。音響システムはプリミティブではあるが、基本、各自自分の楽器、マイクを用意し、手元ミキサーでミックスした音をPAに繋ぐ。ただし今回のレコーディングでは三橋はマックノートから無線システムでワイヤレスにPAに繋いでいる。義本はミキサーを持たないので他メンバーのミキサーの空きチャンネルを使用した。伊藤はベースだけはベースアンプ使用しPAには繋いでいない。メンバーは私以外この関わりの前には自由集団即興の経験はない人達である。メンバーの経歴は、泉は、お囃子連に所属し篠笛を担当、ジャズドラム、オーケストラのパーカッションも務める。伊藤はフリージャズ愛好者だが普段はスタンダードのジャズベースでセッションに参加している。三橋はやはりフリージャズ愛好者だが普段はフュージョン系バンドでベースを弾いている。義本は弾語りで童謡、唱歌を歌う会を主催、平行してジャズボーカルを続けている。バイオリンも嗜む。全員、普段自分がやっている音楽以外への拒否感はなく、自然体で録音に参加されていた。このカセットをお聴きになる方もリラックスして「家具の音楽」のようにお聴きいただきたい。　　越川

世界各地のアーティストが「豆腐」という食文化を独自の音響表現へと翻訳した、実にユニークなコンピレーション『Tofu: Original Soundtrack』。イギリスのレーベル〈pleasant place〉のオーナーであり、ジャーナリストでもあるRussell Thomasによる著書『Tofu: A Culinary History』の刊行を記念して制作された本作は、豆腐にまつわるフィールド・レコーディング、DIYシンセサイザーによるエレクトロニクス、アンビエントなど、多彩な音楽的アプローチを通じて、豆腐という食材の歴史、神話、物質性、文化的な記憶を音響へと変換した意欲的なプロジェクト。

中国、日本、韓国、台湾をはじめとする東アジア・東南アジアの食卓で何世紀にもわたり親しまれてきた豆腐。素朴でありながら驚くほど多様な変化を遂げ、土地ごとの食文化や生活に深く根付いてきたこの加工食品を、本作では単なる食材としてではなく、人々の営みや歴史、文化をつなぐ存在として捉えています。

東京のプロデューサーaus(FLAU)による、豆腐の不思議な物質性を探る幻想的なアンビエント・エレクトロニクスで幕を開け、Rebecca Burdenは古代中国の神話と音楽が持つ破壊的な力に着想を得た重厚なエレクトロアコースティック作品を披露。twenty eyesは日本の狐にまつわる民間伝承の超自然的な世界を漂い、Yumi IwakiとTonia Koは豆乳が凝固し豆腐へと変化する神秘的な過程を、煌めくモジュラー・シンセシスと触覚的なサウンドアートへと変換しています。Yetsubyは温かな質感を持つ繊細なエレクトロニクスによって豆腐の持つ家庭的な安心感を表現し、Stella Chin-Ting Yangはタイや台北で収録したフィールド・レコーディングとシンセサイザーを融合させ、豆腐の多彩な食感やテクスチャーを音響化。さらにLookfar名義のLouie Zongは、発酵豆腐を取り巻く微生物の世界から着想を得た、深く湿潤なダンジョン・シンセへと踏み込みます。

後半ではNick Luscombeが東京の現役豆腐店で収録した親密なフィールド・レコーディングを通じて日常の営みへと回帰。そしてVGMシーンでも知られるbo enが、民俗的な祝祭を思わせる高揚感に満ちた楽曲で、まるで映画のエンドロールのようにアルバムを締めくくります。

日本、韓国、台湾、イギリス、アメリカのアーティストが参加し、アンビエント、エレクトロニカ、フィールド・レコーディング、モジュラー・シンセシスなど、多彩な音楽的実践が交錯。瞑想的であったり、遊び心に満ちていたり、時に奇妙で祝祭的であったりと、それぞれが異なる視点から豆腐という存在を捉えながら、ひとつの有機的な作品世界を形成しています。土地ごとの伝統に根ざしながら、異なる文化へと浸透し、絶えず姿を変えてきた豆腐。その歴史と神話、日々の営み、そして人々の共有する文化的記憶を、音楽というもうひとつのメディアを通して再発見する、食文化と実験音楽の交差点に生まれた興味深いコンピレーション。

Jan Jelinek主宰の名門〈Faitiche〉より、チェリストでありサウンドアーティストのTopu Lyoが東京のアパートで録音した極上のソロ・デビュー作『quiet scenes from tokyo』。長年のエレクトロニクス体験を経てセットアップを極限まで削ぎ落とし、アコースティック・チェロ1本とRoland RE-301 Space Echoのテープ・ディレイ、そして目の前を走る高速道路の交通ノイズを即興的に取り込んだ16編の音響ミニチュア集！緩やかなポルタメントやフィルターのような電子エフェクトをアコースティックの特殊奏法で再現し、フィードバック・ドローンからMoondogを思わせる軽快なピチカート、ミクロな音粒子が漂う微細なテクスチャーまで多彩な表情を提示。夕方5時の「夕焼小焼」や街のサウンドスケープが交通騒音とともに静かなアンビエンスを構築し、余白を活かしたスケッチのような親密さと現代電子音響の先鋭性が美しく共存するエレクトロアコースティック名盤！