MUSIC

日本を代表する即興集団Marginal Consortに在籍する越川知尚による新プロジェクト、FuzzyToyShip。長年にわたり即興を活動の中心に据えてきた越川の表現の根源には、1960〜70年代に自由な即興の形を提示したタージ・マハル旅行団と小杉武久の存在がある。
そして1970年代、小杉が教鞭をとっていた講義に参加していた同級生たちと越川が結成したのが、伝説的な即興バンドEast Bionic Symphoniaである。このバンドは、現在のMarginal Consortの前身とも言える存在だ。
「Maiden Voyage」は、こうした越川の一連の活動を踏まえながら、自身が即興に感じた初期衝動を再訪し、即興未経験のメンバーとともに自身が考える理想的な即興のあり方を追求した作品である。そこでは、フリーフォームに、自由奔放に生み出されるさまざまな音が有機的に連なりながら、一方向に回収されないような形で、多元的で混沌とした音響空間が描き出されている。前作「Nebula」が50年間の越川の持続音と作曲の実験を示したものとすれば、今作は即興というもう一つの越川の音楽世界を紹介する作品となっている。

私が最初に小杉武久の音楽を聴いたのは１９７２年１１月の高橋悠治のコンサートの中で演奏された「ピアノウェイヴミックス」であったと記憶している。そのサウンドは秘教的であると同時になにか懐かしい風景を見ているようなものであった。その演奏には集団即興グループ、タージマハール旅行団のメンバーが参加していた。ピアノ以外の音(声)は楽譜では具体的なピッチ等は指示されておらず、即興的に発せられたように聴こえた。その後１９７４年に新宿の画廊マトグロッソで行われていたタージマハール旅行団のライブに通うようになった。そこでの演奏は私が「即興演奏」という言葉に描いていた理想形を具現化しているように思われた。そして１９７５年に小杉の美学校、音楽教場が開催されたのでそれに参加した。翌年、生徒たちの卒業制作ということでLP(ビニールレコード)を作成した。グループ名はイースト・バイオニック・シンフフォニア(EBS)。EBSは運営面で問題があり、メンバーの間で目指す方向性にズレがあり、方向性が定まらないまま、散発的なライブを経て自然消滅したと記憶している。私はその時は傍観者的なスタンスで、常勤の職に就いたこともあり、活動継続に積極的でなかった。しかし集団即興演奏については常に頭の中にありながらも具体化する手段はなかった。その後１９９７年に音楽教場で一緒だった今井和雄氏が即興グループを立上げ、「マージナルコンソート」として発足した。私も参加し、現在も活動している。それとは別に２０２２年から即興演奏を行い、後半聴衆に演奏に加わってもらうワークショップ形式の活動をするようになった。そして聴衆の中に自由な即興を理解してくれる方が何人か現れ、私の中でグループにできないかという気持ちが出てきた。もしかしたら５０年前に積極的に関わらなかったEBSの再現を探すような感覚かもしれない。マージナルコンソートは２０数年の活動の中で発音の手段、システムが各自進化しイヴェントごとに様々なセットを組むが総体としてほぼ確立されてきているように感じる。(あくまで私の見方であるが)　そこで新グループでは試行錯誤、手探りで音を作っていく体験、さらに全員の音の中でフィードバックさせ、バランスをとっていく中で自分の音を客観的に聴く体験、そんなプロセスの連続を目指したいと思った。音響システムはプリミティブではあるが、基本、各自自分の楽器、マイクを用意し、手元ミキサーでミックスした音をPAに繋ぐ。ただし今回のレコーディングでは三橋はマックノートから無線システムでワイヤレスにPAに繋いでいる。義本はミキサーを持たないので他メンバーのミキサーの空きチャンネルを使用した。伊藤はベースだけはベースアンプ使用しPAには繋いでいない。メンバーは私以外この関わりの前には自由集団即興の経験はない人達である。メンバーの経歴は、泉は、お囃子連に所属し篠笛を担当、ジャズドラム、オーケストラのパーカッションも務める。伊藤はフリージャズ愛好者だが普段はスタンダードのジャズベースでセッションに参加している。三橋はやはりフリージャズ愛好者だが普段はフュージョン系バンドでベースを弾いている。義本は弾語りで童謡、唱歌を歌う会を主催、平行してジャズボーカルを続けている。バイオリンも嗜む。全員、普段自分がやっている音楽以外への拒否感はなく、自然体で録音に参加されていた。このカセットをお聴きになる方もリラックスして「家具の音楽」のようにお聴きいただきたい。　　越川

世界各地のアーティストが「豆腐」という食文化を独自の音響表現へと翻訳した、実にユニークなコンピレーション『Tofu: Original Soundtrack』。イギリスのレーベル〈pleasant place〉のオーナーであり、ジャーナリストでもあるRussell Thomasによる著書『Tofu: A Culinary History』の刊行を記念して制作された本作は、豆腐にまつわるフィールド・レコーディング、DIYシンセサイザーによるエレクトロニクス、アンビエントなど、多彩な音楽的アプローチを通じて、豆腐という食材の歴史、神話、物質性、文化的な記憶を音響へと変換した意欲的なプロジェクト。

中国、日本、韓国、台湾をはじめとする東アジア・東南アジアの食卓で何世紀にもわたり親しまれてきた豆腐。素朴でありながら驚くほど多様な変化を遂げ、土地ごとの食文化や生活に深く根付いてきたこの加工食品を、本作では単なる食材としてではなく、人々の営みや歴史、文化をつなぐ存在として捉えています。

東京のプロデューサーaus(FLAU)による、豆腐の不思議な物質性を探る幻想的なアンビエント・エレクトロニクスで幕を開け、Rebecca Burdenは古代中国の神話と音楽が持つ破壊的な力に着想を得た重厚なエレクトロアコースティック作品を披露。twenty eyesは日本の狐にまつわる民間伝承の超自然的な世界を漂い、Yumi IwakiとTonia Koは豆乳が凝固し豆腐へと変化する神秘的な過程を、煌めくモジュラー・シンセシスと触覚的なサウンドアートへと変換しています。Yetsubyは温かな質感を持つ繊細なエレクトロニクスによって豆腐の持つ家庭的な安心感を表現し、Stella Chin-Ting Yangはタイや台北で収録したフィールド・レコーディングとシンセサイザーを融合させ、豆腐の多彩な食感やテクスチャーを音響化。さらにLookfar名義のLouie Zongは、発酵豆腐を取り巻く微生物の世界から着想を得た、深く湿潤なダンジョン・シンセへと踏み込みます。

後半ではNick Luscombeが東京の現役豆腐店で収録した親密なフィールド・レコーディングを通じて日常の営みへと回帰。そしてVGMシーンでも知られるbo enが、民俗的な祝祭を思わせる高揚感に満ちた楽曲で、まるで映画のエンドロールのようにアルバムを締めくくります。

日本、韓国、台湾、イギリス、アメリカのアーティストが参加し、アンビエント、エレクトロニカ、フィールド・レコーディング、モジュラー・シンセシスなど、多彩な音楽的実践が交錯。瞑想的であったり、遊び心に満ちていたり、時に奇妙で祝祭的であったりと、それぞれが異なる視点から豆腐という存在を捉えながら、ひとつの有機的な作品世界を形成しています。土地ごとの伝統に根ざしながら、異なる文化へと浸透し、絶えず姿を変えてきた豆腐。その歴史と神話、日々の営み、そして人々の共有する文化的記憶を、音楽というもうひとつのメディアを通して再発見する、食文化と実験音楽の交差点に生まれた興味深いコンピレーション。

Jan Jelinek主宰の名門〈Faitiche〉より、チェリストでありサウンドアーティストのTopu Lyoが東京のアパートで録音した極上のソロ・デビュー作『quiet scenes from tokyo』。長年のエレクトロニクス体験を経てセットアップを極限まで削ぎ落とし、アコースティック・チェロ1本とRoland RE-301 Space Echoのテープ・ディレイ、そして目の前を走る高速道路の交通ノイズを即興的に取り込んだ16編の音響ミニチュア集！緩やかなポルタメントやフィルターのような電子エフェクトをアコースティックの特殊奏法で再現し、フィードバック・ドローンからMoondogを思わせる軽快なピチカート、ミクロな音粒子が漂う微細なテクスチャーまで多彩な表情を提示。夕方5時の「夕焼小焼」や街のサウンドスケープが交通騒音とともに静かなアンビエンスを構築し、余白を活かしたスケッチのような親密さと現代電子音響の先鋭性が美しく共存するエレクトロアコースティック名盤！

ドイツの実験音楽集団Institut für Feinmotorikによる、8台のターンテーブルと4台のミキサーを使いながら、レコードを一切使わずに制作された異色の作品『Öd』。ゴムバンド、CD、アルミ箔、廃材などをターンテーブル上でこすり合わせ、摩擦、ループ、静電気といった物理的な現象をそのまま音素材として扱っている。6つのゆるいグリッド外のリズムで構成され、即興的なプレイとランダムなループが多層的に絡み合う。輪郭だけが浮かぶようなダブのグルーヴ、揺らぐアンビエント・テクノ、金属片が転がるような即興的ノイズのあいだを絶えず行き来し、音がいつ崩れたり変形したりするかわからない不安定さが魅力になっている。ターンテーブルという物理的な装置を使った音響実験でありながら、どこか奇妙にファンキーなグルーヴが立ち上がるのが印象的で、取るに足らない素材から予想外の可能性を見つけ出すというアルバムの精神が詰まった、音響実験の枠を超えて語り継がれるべき異色の傑作。

ドイツの名門〈Kompakt〉が誇る名物企画「Pop Ambient」黎明期の2001年に登場し、21世紀アンビエントの方向性を決定づけたMarkus Guentnerの歴史的デビュー作『In Moll』。リリース25周年を記念し、Rafael Anton Irisarri主宰の〈Black Knoll Editions〉より完全版2LPとして待望の復刻！繊細なベルの響きや心地よいヒスノイズ、澄んだシンセの残響がデジタルな霧のように立ち込め、その深層をゆったりと漂う重厚なベースラインが美しいコントラストを描き出す。抑えの効いた密やかな旋律と絶妙なハーモニーが、あたたかみと哀愁をあわせ持つ夢心地な音響空間を形作る。Irisarriによる完全アナログ・リマスターに加え、当時LP未収録だった「In Moll 4」の初アナログ化、さらに全曲を自身で現在進行形に再構築した新規セルフ・リワーク盤まで網羅した、25年という年月を感じさせない至高の金字塔！

〈Spazio Disponibile〉や〈light-years〉、〈Umor Rex〉など名門で異彩を放つオランダ系イタリア人作曲家Aimée PortioliのプロジェクトGrand Riverが〈Editions Mego〉より待望の最新作『Temporary』をリリース！深く低く蠢くエレクトロニクスと厳かに波打つモジュラー・シンセサイザーのレイヤーの上で、感情を荒々しく揺さぶるエレキギターや重厚な打楽器、そしてハープやアコースティック・ギターの繊細で可憐な響きが鮮烈に対峙。静寂に満ちた幽玄なアンビエント空間から、破滅的なカタルシスを伴うドローン／音響へと目眩く移り変わるダイナミックなサウンドスケープを描き出している。曲のタイトル群がそのまま一つの詩的な文章を構成するように、生の儚さと一瞬の美しさを音で解き明かした美しくも切ない現代音響。

〈XKatedral〉や〈Moloton〉からの作品で知られるストックホルムの作曲家Linus Hillborgによる、フランスの異才映画監督Pierre Clémentiが1969年に遺した短編無声映画『Positano』のために制作したスコアをベースにしたアルバム『Remanens』。映画の断片的・無時間的な質感に寄り添い、磁気テープのノイズやデジタルの残像を思わせる繊細なテクスチャーを構築。アコースティック楽器と電子音響がシームレスに交錯する重厚なドローンが、過去の記憶や過ぎ去った未来への予感を想起させるように静けさの中でゆっくりと重なり合っていく。夢の中の風景をそのまま音響へと変換したかのような、美しくもどこか寂げな現代ドローンの一編。

ノルウェーの音響デュオDeaf Centerのピアニストとして知られるOtto A Totlandが2014年に発表した初のフル・ソロアルバム『Pinô』が待望のリプレス。収録された18曲はすべて短いピアノ小品で構成され、1〜3分ほどの音のスケッチが静かに連なっていく。メロディは控えめで、冬の光のように淡く、影のニュアンスを含んだ情緒が漂う。ピアノの響き、鍵盤のノイズ、ペダルの残響まで丁寧に捉えた極めて親密な音像で、物理的なノイズまでが音楽の一部となり、音楽にリアリティを与えている。静けさの中にある感情を丁寧に描いた、現代ピアノ作品の名作。

至上の傑作『Loop-Finding-Jazz-Records』でもお馴染み、ミニマルな電子音楽を数多く輩出するドイツの重鎮プロデューサーJan Jelinekが、2005 年に〈~scape〉から最初にリリースしたアルバムであり、長らくデジタルダウンロードのみで提供されていた貴重な作品『Kosmischer Pitch』が、待望のアナログ再発！同時期に制作されていた貴重な未発表曲を2曲追加収録。70年代にドイツの先駆者たちが残したクラウトロックとコスミッシェ・ムジークのDNAとスピリットを一身に受けた、孤高のトランス感覚に溢れた反復による、可聴性の限界に漂うヴァリエーションを堪能出来る、亡霊のようでありつつも、幽玄で至福な美しさを備えた、ゼロ年代エクスペリメンタル/電子音楽でも稀有な名作。Giuseppe Ielasiによるリマスタリング仕様。

フランス出身、現在はベルギーのブリュッセルを拠点に活動する電子音楽家Roméo Poirierによる録音現場でこぼれ落ちた断片を拾い上げ、別の生命を吹き込んだサウンド・コラージュ集。エンジニアの指示や雑談、マイクチェック、テイク前の息遣いなど、本来なら切り捨てられるはずの音を、素材として積み重ねていく。本作では千を超える断片を組み合わせることで、14の小さな音世界を構築しており、古いシェラック盤から浮かび上がる声と、YouTubeから掬い取ったデジタルのかけらが、時間や文脈を越えて交錯する。そうして生まれるのは、演奏の前段階そのものを物語に変えてしまう、不思議にシネマティックで親密な音のスケッチ。偶然の積み重ねを芸術に変換してしまうポワリエらしい一枚。

日本を代表するアンビエント/ドローン·ミュージック・シーンを牽引する存在となったChihei Hatakeyamaこと畠山地平が、この度ジャズ・ドラマーの石若駿とのコラボレーション作の第二弾を発表。

ラジオ番組の収録で出会って以来、ライヴ活動などでステージを共にすることはあった2人。2024年5月には2部作の第一弾『Magnificent Little Dudes Vol.1』をリリースしていたが、今回はその第二弾。今作には、受賞歴のあるイギリスのチェリスト、セシリア・ビグナルをフィーチャーしたアルバムのオープニング曲「M3」、シュゲイザー・サウンドを目指して制作したという「M5」などを収録。

Vol.2について畠山地平は次のように話している。「Vol.2にはセッションの後半が収められています。その日は3月のある日の午後でした。長い冬が終わろうとしているのを感じましたし、日本ではコロナの影響が諸外国より長く続いていたので、そんな マスクを付けた日々も終わろうとしていました。『M3』では私たちの演奏にセシリア・ビッグナルがチェロで参加してくれました。これは遥か昔に私がアメリカ人シンガー・ソングライターのデヴィッド・グラブスから受けた影響が見え隠れしています。彼のアルバムの『ザ・スペクトラム・ビトウィーン』に入っている『Stanwell Perpetual』という曲です。しかしこの曲は私が頭の中で何度も形を変えてしまったので、今回の『M3』とは直接は関係がないように思えます」。

すでに昨年10月にデジタル・リリースされていたVol.2だが、今回フィジカルを発売するにあたり、リミックス音源3曲が追加収録されている。3月、4月には「Magnificent Little Dudes Vol.2リリース・パーティー」も予定されていることから、今後の2人の活動から目が離せない。

初期Celerの美学を純度高く刻んだ2007年の自主制作CDrドローン・アンビエント作品『Red Seals』。Will Longによるテープ編集、ループ、ピアノ処理と、Danielleによるフィールド録音やストリングスが溶け合い、静止しているのに、かすかに呼吸しているかのような音のレイヤーを形成。テープの揺れや微細なノイズがそのまま残されており、デジタル処理では得られない物質的な静けさが作品全体を包み込む。濁りと透明さが同居する音像は、水面のゆらぎや曇った記憶の断片を思わせる。Celerというプロジェクトの最も純粋で、最も無防備な初期衝動を、詩情とともに音像化した、カルト的な人気を誇る特別な一枚が待望の再発！

Meditationsでも大大大ベストセラーだった、Will Long名義での良好アンビエント x ハウス作品も知られる東京在住のアンビエント作家Celer。2008年にオハイオのレーベル〈Infraction〉よりCDリリースしたアルバム『Discourses Of The Withered』がStephan Mathieuによるリマスタリング仕様で再発。メランコリックな白昼夢的アンビエント/ドローンサウンドスケープ長編楽曲を全7曲収録したCeler初期の人気作の一つ！

Meditationsでもベストセラーだった、Celer名義で多数のアンビエント作品を発表する東京在住のWill Longによる、アンビエントxハウスなLong Trax続編とも呼べるダブル12"のCD版。有機的なアンビエンスと、深遠でモノトーンなディープ・ハウスとの邂逅。極限までに無駄を削ぎ落としたストイックで瞑想的と言えるハウスと、メッセージ性強いヴォーカルサンプルにより沈黙から語りかけてくるかのような崇高な内容です。Tsuji Aikoによるアートワークも必見。180g重量盤。

東京拠点のプロデューサーRGLが、自身の音楽性のもう一つの側面を提示したカセット作品『Untitled』。ローファイ・ハウスやアナログ質感のダンス・トラックで知られる彼だが、本作ではビートのあるトラックと抽象的なアンビエント、ドローン が同じ地平で並ぶ。全8曲は、アナログ的なざらつきや微細なノイズが空気の中に漂うような、質感そのものを聴かせる構造が中心。ビートのある曲では、ローファイ・ハウスの温度感を保ちながらも輪郭が柔らかく、深夜の街を歩くような静かなグルーヴが続く。一方で「IV〜VI」ではビートが消え、音の粒子がゆっくりと浮遊する。都市の夜、遠くのネオンの光、そんな情景が自然と浮かぶような、RGLの質感への鋭い感覚を味わえる一本。

電子音楽からアコースティック音響への劇的な転換を果たした巨匠Eliane Radigueの晩年の大作『Occam』シリーズより、チェロ奏者Charles Curtisとファゴット奏者Dafne Vicente-Sandovalを迎えた『Occam XIII, Occam River XI, Occam V』。楽譜を用いず奏者との対話と口頭伝承のみで作品を構築する独自のメソッドにより、スイスのサン＝テオドゥール寺院の豊かな響きの中で録音された深遠なドキュメント。「オッカムの剃刀」の哲学に基づき極限まで削ぎ落とされた音数から、チェロとファゴットが持つ細密な倍音や微細な波形の揺らぎが静かに創出。幾重にも重なる持続音が寺院の空間と干渉し合い、人間の聴覚の限界に語りかけるような、静けさの中に圧倒的な音響密度を誇るミニマル・ドローン空間を作り上げている。演奏家と作曲家の境界線を解き放ち、音そのものの微小な振る舞いの内部に巨匠ならではの霊的境地が宿る至高の現代音響。

電子音楽からアコースティック音響への劇的な転換を果たした巨匠Eliane Radigueの晩年の大作『Occam』シリーズより、チェロ奏者Charles Curtisとファゴット奏者Dafne Vicente-Sandovalを迎えた『Occam XIII, Occam River XI, Occam V』。楽譜を用いず奏者との対話と口頭伝承のみで作品を構築する独自のメソッドにより、スイスのサン＝テオドゥール寺院の豊かな響きの中で録音された深遠なドキュメント。「オッカムの剃刀」の哲学に基づき極限まで削ぎ落とされた音数から、チェロとファゴットが持つ細密な倍音や微細な波形の揺らぎが静かに創出。幾重にも重なる持続音が寺院の空間と干渉し合い、人間の聴覚の限界に語りかけるような、静けさの中に圧倒的な音響密度を誇るミニマル・ドローン空間を作り上げている。演奏家と作曲家の境界線を解き放ち、音そのものの微小な振る舞いの内部に巨匠ならではの霊的境地が宿る至高の現代音響。

Meiteiの『怪談』のリリースなどで知られる名門〈Métron Records〉より、ベルリンを拠点に活動するプロデューサー・デュオOCA（Yo van Lenz & Florian T M Zeisig）によるセカンド・アルバム『Aging』が登場！前作カセット作品『Preset Music』に続き、パーソナルな体験を題材に、全10曲の短編的な構成で紡ぎ出された作品で、本作の全音源はヴィンテージ・シンセサイザーAlesis QS61台のみを用いて構築。吉村弘らに代表される80年代日本の環境音楽が持つ瑞々しい透明感やアニメサントラの叙情性、さらには80sポップスの和音構成を独自のエレクトロニクスへと昇華している。Gasを思わせる緩やかな時間軸のなかで、朽ちていくような美しいメロディと温かなシンセ・レイヤーがゆらめき、ノスタルジックな記憶の余韻を優しく刺激する秀作。

NYのプロデューサーEden Aureliusと、Purelinkの主要メンバーとして空間音響の美学を更新し続けるBen Paulsonによるコラボ・ユニットRingによる、かつて極少数の10インチ・ダブプレートとしてリリースされ、ファンの間で幻と化していた23分間の音響セッションが、待望の12インチ復刻！安静時の心拍数を大幅に下回る超スローテンポのなか、ダブの手法で引き伸ばされた広大なポストロック的音響空間がどこまでも水平に広がる。Eden Aureliusが得意とするシルキーで地を這うサブベースと緻密なパーカッションに、Ben Paulsonによる神秘的で透明なテクスチャーが交錯。たゆたうコード感から、金属質のクラック音、足元を静かに揺らす低音までが緻密に溶け合う、USアンダーグラウンド音響の隠れた名盤。

アンビエント/コスミッシェ・ロック金字塔！電子音楽の歴史を変えたと言っても過言ではない、テクノの生みの親であり、ドイツが誇る名クラウトロック・バンドKraftwerkが1972年1月にリリースした初期傑作にして、2ndスタジオ・アルバム『Kraftwerk 2』のアナログ再発盤。

〈Macadam Mambo〉や〈Paesaggi Records〉からのリリースでも知られる東京拠点のプロデューサーIgaxxによる、待望の初フルアルバム作品『New Lights』。90年代〜2000年代のハードウェア・シンセサイザーを用い、演奏時の即興性や微細な偶然性を巧みに取り入れたエレクトロニクス空間。ElektroluxやRising High、Irdialといった90s欧州レフトフィールド音響の遺伝子をベースに、温かみのあるアナログの残響と極上のビートダウン・グルーヴを展開する。重厚なボトムとエキゾチックな第4の世界感覚、808のスナッピーな拍動や澄み切ったビートレスドローンが緩やかに交錯。フロアの熱気とパーソナルなリスニングの心地よさを往来する充実の一枚。

〈Lo Recordings〉主宰で知られるJon Tyeと、The HypnotistのPete SmithによるデュオMLOが、1994年に名門〈Rising High Records〉から発表した90sアンビエントの金字塔『Io』。当時のUKチルアウト／レフトフィールド・ムーブメントの熱気のなか、ダンスミュージックの文脈から一歩引き、純粋な音響の静けさを追求したもので、Erik SatieやClaude Debussy、John Cageといったクラシック〜アヴァンギャルドの美学、Soft MachineやBrian Enoらの精神性を惜しみなく注入。ヴィンテージ・シンセサイザーが織りなすエアリーで美しいドローンと繊細なアルペジオが、揺らぎや微細なノイズを交えながら極限まで減速された時間軸のなかでゆっくりと開花する。極上のパステルカラーの音響グラデーションが広がる、90年代UKアンビエントの隠れた名盤。

〈Lo Recordings〉主宰で知られるJon Tyeと、The HypnotistのPete SmithによるデュオMLOが、1994年に名門〈Rising High Records〉から発表した90sアンビエントの金字塔『Io』。当時のUKチルアウト／レフトフィールド・ムーブメントの熱気のなか、ダンスミュージックの文脈から一歩引き、純粋な音響の静けさを追求したもので、Erik SatieやClaude Debussy、John Cageといったクラシック〜アヴァンギャルドの美学、Soft MachineやBrian Enoらの精神性を惜しみなく注入。ヴィンテージ・シンセサイザーが織りなすエアリーで美しいドローンと繊細なアルペジオが、揺らぎや微細なノイズを交えながら極限まで減速された時間軸のなかでゆっくりと開花する。極上のパステルカラーの音響グラデーションが広がる、90年代UKアンビエントの隠れた名盤。

1999年にリリースされた知られざるギター・デュオ・ユニットのアルバム。ハーモニクスを多用したギターのみによる楽曲は、アンビエント的な静けさを進えた美しいもので、当時のライヴでは 8mm 映像などとコラボレートなどもしていました。しかし、当時の反応は一部で高い評価を得たものの、それはとても小さいものでした。当時のインディーズ・シーンではまだアンビエント的なサウンドの見直しもなく、ここまでシンプルなインストウルメンタルものをライヴの現場で演奏しているユニットなど皆無で、非常にカテゴライズしづらく、立ち位置の難しい音楽だったのだと思います。

しかし、ジャパニーズ・アンビエントが世界的に見直された 2010年代になってから、本作は再発見され、CDのデッドストックが一気に完売。再発の声もある中、今回初のアナログ化で改めてこの音楽を解き放ちたいと思います。現在 URBAN VOLCANO SOUNDSで知られるKENKEN もゲスト参加。

知られざる秘宝作品にじっくり触れてみるのもよし、日々のBGMとしても空気に染み入るような美しい時間を生み出してくれる、音響ギター・インストウルメンタル・アルバムです。