Japanese

日本の伝統演劇である能の謡などからインスピレーションを受け、芸能山城組の組頭、山城祥二が生み出した『AKIRA』の大傑作サウンドトラックがアナログ・リイシュー。伝統的な和楽器と未来的な電子音がユニークな融合を果たした本作は、様々な影響を織り交ぜながら、映画のディストピア的、サイバーパンク的テーマを反映した音風景を生み出しています。伝統的なチャントや太鼓、尺八のフルート、シンセサイザー、オーケストラといった多様な要素が、スクリーンのヴィジュアルを完璧に補完する、心を奪うような魅惑的な雰囲気を醸し出しているだけでなく、ポリリズミックなドラムマシンのビートとガムランの微分音音階にチューニングされたシンセを組み合わせた独特なスタイルによるパフォーマンスは『AKIRA』のディストピア的世界に儀式的な緊張感を齎しています。

日本から世界のサイケデリック/インディ・シーンを牽引した名バンド、幾何学模様のGo & Tomoが2014年に創設したインディペンデント・レーベルであり、シベールの日曜日や破地獄、Satomimagaeといった大変ユニークなアクトを送り出してきた名門〈Guruguru Brain〉発の名作！ポスト・パンキッシュでクラウトロックへの愛に溢れる実験的バンド、南ドイツによる18年の傑作アルバム『With Dim Light』をストック！このバンドの最大の魅力といえる、反復的なビートへの鋭いアプローチと、精巧で構成的なソングライティングを軸に、モータリックでグルーヴィな60'sサイケデリック・ロック・サウンドが展開される素晴らしい作品。

菅谷昌弘が1987年に制作した舞台音楽作品で、前衛舞踏団「パパ・タラフマラ」の公演『ALEJO』のために書き下ろされたサウンドトラック『Music From Alejo』が〈Ambient Sans〉より、初のヴァイナル・リイシュー！反復と間を活かした構成で、舞台の動きと呼応するようなミニマルで静謐な電子音響に、アンビエント的な広がりと、日本的な情緒を感じさせる旋律が共存。舞台芸術との融合を前提としながら、音楽単体でも成立する完成度を持つ、1980年代日本の実験音楽と舞台芸術の交差点を象徴する重要作であり、Sugayaの音楽家としての詩的感性と構造美が凝縮された一枚。今回の再発では、日本の自宅訪問時の写真と菅谷昌弘への独占インタビューを収録したインサートも付属。

11月下旬再入荷。まるで70年代からタイムスリップしてきたような風貌の5人組、幾何学模様。
これまで10年に渡って海外を中心に活動し、クルアンビンやキング・ギザード&ザ・リザード・ウィザードといった現在のインディーシーンの先頭を走るアーティストたちとも親交が深く、世界各国でソールドアウト公演を連発、先日にはフジロック2022への出演も発表され話題となっている。
そんな彼らが前作『Masana Temples』からおよそ4年ぶりの新作『クモヨ島 (Kumoyo Island)』を自身のレーベル〈Guruguru Brain〉からリリース。
レコーディングは、彼らが活動初期に使っていた浅草橋のツバメスタジオにて行こなわれた。ロックダウンやパンデミックによるツアー活動停止の間の拠点としてアムステルダムを選んでいた彼らは、下町もしくは故郷の町の古い繁華街に帰ってきたことで、自由な感覚が再燃したのを感じたという。東京に滞在していたおよそ1ヶ月半の間、これまでストックしていたアイデアの断片を洗い出し、それらをスタジオで構築することにより本作を完成させたのだ。
まるで60年代のプログレッシヴロックのような壮大なオープニングから一転、「モ、ナ～カ、ナカナカノ」と語感の心地よさにフォーカスしたようなユニークな歌詞を耳元でささやく冒頭曲「Monaka」や、クルアンビンを彷彿とさせるワウギターが、コロコロ転がるリズムの上で軽やかに舞う「Dancing Blue」。
ジェットコースターに乗って時空を駆け抜けていくような前半と、ビートルズの「Tomorrow Never Knows」を思わせるサイケデリックな後半、その落差が圧巻の「Cardboard Pile」や、擦り切れたテープを再生しているようなローファイチューン「Gomugomu」、ボーズ・オブ・カナダへ愛が炸裂したかのような「Daydream Soda」、変拍子とギターリフの絡みが麻薬的にループする「Field of Tiger Lilies」など、曲ごとに全く異なるアプローチをしていながらどの曲も幾何学模様としか言いようのない、強烈なオリジナリティを放っている。
美しいアンビエントソング「Maison Silk Road」の余韻とともに、アルバムは幕を閉じる。
『クモヨ島』と名付けられた本作『Kumoyo Island』は、帰国の途に着く彼らが上空から垣間見た、雲越しの島国、日本の姿にインスパイアされて付けたのだろうか。真意のほどは直接本人たちに確かめる他ないが、世界中どこにいても「オルタナティブ」であることを貫いてきた彼らにしか到達し得ない地平が、ここには広がっている。

日本のヒーリング、アンビエントの先駆者宮下富実夫が、1989年の録音をもとに1991年に発表した名作『White Morning』が、ついにアナログ化。25分×2曲という長尺構成で、朝の光がゆっくり身体に満ちていく時間をそのまま音にしたような作品で、シンセサイザーの柔らかなレイヤーが静かに揺れ、音が演奏されているというより、もともと空間に漂っていた静けさを少しずつ照らし出すような感触がある。低音の脈動や倍音の膨らみが呼吸のリズムと自然に重なり、身体の内側がゆっくり整っていくような印象。微細な電子音と淡いアコースティックの響きの重なりは、祈りという行為の静かな意図だけを残したよう。吉村弘や芦川聡らが外の風景を描いたのに対し、内面の静けさをテーマに静かで澄んだ作品を残した宮下のアプローチが最も純度高く結晶した一枚。

2026年リプレス！遂に満を持して登場。あの『Green』を凌ぐ人気を誇る、長年失われていた吉村弘最高峰のアンビエント・クラシックこと1986年作品『Surround』が〈Light in the Attic〉配給の〈Temporal Drift〉レーベルより待望の公式アナログ再発！日本の環境音楽のパイオニアであり、都市/公共空間のサウンドデザインからサウンドアート、パフォーマンスに至るまで、傑出した仕事を世に残した偉才、吉村弘。その最難関の音盤として君臨してきた幻の一枚が、今回史上初の公式アナログ・リイシュー。ミサワホームから依頼されて録音された作品で、これらは同社の新築居住空間をより充実させるために設計された「アメニティ」として機能することを目的としていた環境音楽作品。吉村自身による当時のライナーノーツに加え、オリジナル・プロデューサーであった塩川博義氏による新規ライナーノーツも同封（日／英）。 MASTERPIECE!!!!!!!!!!!!!!!!!

2011年、東日本大震災後に日本人アーティストMarterがNYのYonyを訪れた際のセッションを起点に、長い年月を経て形になったアナログ録音のダブ作品『Rhythm Matter』が、EPや未発表曲を加えたDeluxe Editionとして再構築。カセット、4トラック、リール・トゥ・リールで録られた素材をPro Toolsで丁寧に編集した制作工程が、テープ特有の丸い低域や柔らかいエコーをそのまま音像に残している。Basic ChannelやRhythm & Sound、King Tubbyへの明確なリスペクトがあり、ダブの重心とディープハウスの浮遊感が自然に重なるグルーヴが特徴。ベースは波のようにうねり、ギターやキーボードは淡い残響をまといながら空間を照らし、ライブ・ダブの呼吸がそのまま録音に刻まれたような生々しさがある。ベルリンとキングストンの系譜を理解したダブ・テクノとも評された、2018年のデジタル版で話題となった作品を、デラックスエディションとして再構成した決定版のアナログ再発。

日本を代表する即興集団Marginal Consortに在籍する越川知尚による新プロジェクト、FuzzyToyShip。長年にわたり即興を活動の中心に据えてきた越川の表現の根源には、1960〜70年代に自由な即興の形を提示したタージ・マハル旅行団と小杉武久の存在がある。
そして1970年代、小杉が教鞭をとっていた講義に参加していた同級生たちと越川が結成したのが、伝説的な即興バンドEast Bionic Symphoniaである。このバンドは、現在のMarginal Consortの前身とも言える存在だ。
「Maiden Voyage」は、こうした越川の一連の活動を踏まえながら、自身が即興に感じた初期衝動を再訪し、即興未経験のメンバーとともに自身が考える理想的な即興のあり方を追求した作品である。そこでは、フリーフォームに、自由奔放に生み出されるさまざまな音が有機的に連なりながら、一方向に回収されないような形で、多元的で混沌とした音響空間が描き出されている。前作「Nebula」が50年間の越川の持続音と作曲の実験を示したものとすれば、今作は即興というもう一つの越川の音楽世界を紹介する作品となっている。

私が最初に小杉武久の音楽を聴いたのは１９７２年１１月の高橋悠治のコンサートの中で演奏された「ピアノウェイヴミックス」であったと記憶している。そのサウンドは秘教的であると同時になにか懐かしい風景を見ているようなものであった。その演奏には集団即興グループ、タージマハール旅行団のメンバーが参加していた。ピアノ以外の音(声)は楽譜では具体的なピッチ等は指示されておらず、即興的に発せられたように聴こえた。その後１９７４年に新宿の画廊マトグロッソで行われていたタージマハール旅行団のライブに通うようになった。そこでの演奏は私が「即興演奏」という言葉に描いていた理想形を具現化しているように思われた。そして１９７５年に小杉の美学校、音楽教場が開催されたのでそれに参加した。翌年、生徒たちの卒業制作ということでLP(ビニールレコード)を作成した。グループ名はイースト・バイオニック・シンフフォニア(EBS)。EBSは運営面で問題があり、メンバーの間で目指す方向性にズレがあり、方向性が定まらないまま、散発的なライブを経て自然消滅したと記憶している。私はその時は傍観者的なスタンスで、常勤の職に就いたこともあり、活動継続に積極的でなかった。しかし集団即興演奏については常に頭の中にありながらも具体化する手段はなかった。その後１９９７年に音楽教場で一緒だった今井和雄氏が即興グループを立上げ、「マージナルコンソート」として発足した。私も参加し、現在も活動している。それとは別に２０２２年から即興演奏を行い、後半聴衆に演奏に加わってもらうワークショップ形式の活動をするようになった。そして聴衆の中に自由な即興を理解してくれる方が何人か現れ、私の中でグループにできないかという気持ちが出てきた。もしかしたら５０年前に積極的に関わらなかったEBSの再現を探すような感覚かもしれない。マージナルコンソートは２０数年の活動の中で発音の手段、システムが各自進化しイヴェントごとに様々なセットを組むが総体としてほぼ確立されてきているように感じる。(あくまで私の見方であるが)　そこで新グループでは試行錯誤、手探りで音を作っていく体験、さらに全員の音の中でフィードバックさせ、バランスをとっていく中で自分の音を客観的に聴く体験、そんなプロセスの連続を目指したいと思った。音響システムはプリミティブではあるが、基本、各自自分の楽器、マイクを用意し、手元ミキサーでミックスした音をPAに繋ぐ。ただし今回のレコーディングでは三橋はマックノートから無線システムでワイヤレスにPAに繋いでいる。義本はミキサーを持たないので他メンバーのミキサーの空きチャンネルを使用した。伊藤はベースだけはベースアンプ使用しPAには繋いでいない。メンバーは私以外この関わりの前には自由集団即興の経験はない人達である。メンバーの経歴は、泉は、お囃子連に所属し篠笛を担当、ジャズドラム、オーケストラのパーカッションも務める。伊藤はフリージャズ愛好者だが普段はスタンダードのジャズベースでセッションに参加している。三橋はやはりフリージャズ愛好者だが普段はフュージョン系バンドでベースを弾いている。義本は弾語りで童謡、唱歌を歌う会を主催、平行してジャズボーカルを続けている。バイオリンも嗜む。全員、普段自分がやっている音楽以外への拒否感はなく、自然体で録音に参加されていた。このカセットをお聴きになる方もリラックスして「家具の音楽」のようにお聴きいただきたい。　　越川

世界各地のアーティストが「豆腐」という食文化を独自の音響表現へと翻訳した、実にユニークなコンピレーション『Tofu: Original Soundtrack』。イギリスのレーベル〈pleasant place〉のオーナーであり、ジャーナリストでもあるRussell Thomasによる著書『Tofu: A Culinary History』の刊行を記念して制作された本作は、豆腐にまつわるフィールド・レコーディング、DIYシンセサイザーによるエレクトロニクス、アンビエントなど、多彩な音楽的アプローチを通じて、豆腐という食材の歴史、神話、物質性、文化的な記憶を音響へと変換した意欲的なプロジェクト。

中国、日本、韓国、台湾をはじめとする東アジア・東南アジアの食卓で何世紀にもわたり親しまれてきた豆腐。素朴でありながら驚くほど多様な変化を遂げ、土地ごとの食文化や生活に深く根付いてきたこの加工食品を、本作では単なる食材としてではなく、人々の営みや歴史、文化をつなぐ存在として捉えています。

東京のプロデューサーaus(FLAU)による、豆腐の不思議な物質性を探る幻想的なアンビエント・エレクトロニクスで幕を開け、Rebecca Burdenは古代中国の神話と音楽が持つ破壊的な力に着想を得た重厚なエレクトロアコースティック作品を披露。twenty eyesは日本の狐にまつわる民間伝承の超自然的な世界を漂い、Yumi IwakiとTonia Koは豆乳が凝固し豆腐へと変化する神秘的な過程を、煌めくモジュラー・シンセシスと触覚的なサウンドアートへと変換しています。Yetsubyは温かな質感を持つ繊細なエレクトロニクスによって豆腐の持つ家庭的な安心感を表現し、Stella Chin-Ting Yangはタイや台北で収録したフィールド・レコーディングとシンセサイザーを融合させ、豆腐の多彩な食感やテクスチャーを音響化。さらにLookfar名義のLouie Zongは、発酵豆腐を取り巻く微生物の世界から着想を得た、深く湿潤なダンジョン・シンセへと踏み込みます。

後半ではNick Luscombeが東京の現役豆腐店で収録した親密なフィールド・レコーディングを通じて日常の営みへと回帰。そしてVGMシーンでも知られるbo enが、民俗的な祝祭を思わせる高揚感に満ちた楽曲で、まるで映画のエンドロールのようにアルバムを締めくくります。

日本、韓国、台湾、イギリス、アメリカのアーティストが参加し、アンビエント、エレクトロニカ、フィールド・レコーディング、モジュラー・シンセシスなど、多彩な音楽的実践が交錯。瞑想的であったり、遊び心に満ちていたり、時に奇妙で祝祭的であったりと、それぞれが異なる視点から豆腐という存在を捉えながら、ひとつの有機的な作品世界を形成しています。土地ごとの伝統に根ざしながら、異なる文化へと浸透し、絶えず姿を変えてきた豆腐。その歴史と神話、日々の営み、そして人々の共有する文化的記憶を、音楽というもうひとつのメディアを通して再発見する、食文化と実験音楽の交差点に生まれた興味深いコンピレーション。

12月4日発売予定。本作のテーマは「未来の老人のための音楽」。もともと「老人のための音楽」というコンセプトで始動したが、制作過程で『Music for Future Elders』へとタイトルを変更した。「Old People」が単に”老人”を指す言葉であるのに対し、「Future Elders」は、これから年齢を重ねていく、私たち自身を含めたすべての人を指している。
本作では、Guruguru Brainとゆかりのある、異なる世代・地域を拠点とする16名が2人1組となり、初めてのコラボレーションに挑戦。8組による8曲が生まれた。それぞれが「未来のエルダーになった自分」を想像しながら楽曲を制作している。
90歳になっても今好きな音楽を聴いていたいと考えた39歳のHitomi Moriwaki、未来の自分が聴く音楽を想像した35歳のLi Yang（破地獄）、年を重ねることはその人の性質や抱えている問題、日々の考え方や習慣がより凝縮されていくことだと考えた28歳のRyota Takano(maya ongaku)、静かな丘に座り記憶を眺める未来の自分を思い描いた13歳のRAAI（TENGGER）など、それぞれの答えは異なる。
すべての楽曲は、音源やアイデアをオンラインで送り合いながら、異なる都市、国、言語、タイムゾーンを越えて制作された。その制作過程もまた、未来のコラボレーションのひとつの形を示している。
『Music for Future Elders』は、未来のエルダーを定義するための作品ではない。年齢を重ねても何を続けたいのか、何を手放したいのか。自分はどんなエルダーになっていくのか。8組の音楽を通して、聴き手がそれぞれの未来を想像するためのコンピレーションである。

1．Luminous Dawn — Hitomi Moriwaki & Tedi (LAIR)
2．JIZO — LiYang (Scattered Purgatory) & Gotoh (Dhidalah)
3．Prayer — Lita (Khana Bierbood) & Jiun Chi(Mong Tong)
4．Mudah mudahan melamun — Karyssa (LAIR) & Hom Yu (Mong Tong)
5．Endless Dream — Tsubouchi Kazuo (Sundays & Cybelle) & Lu Jiaqi (Scattered
Purgatory)
6．Song for Aging Baby — Go Kurosawa (Kikagaku Moyo) & MO (Khana Bierbood)
7．Ocean — Abing (Sleeping Dogs) & Ryota Takano (maya ongaku)
8．Return to Return — Kyotaro Miula (Minami Deutsch) & RAAI (TENGGER)

日本を代表するアンビエント/ドローン·ミュージック・シーンを牽引する存在となったChihei Hatakeyamaこと畠山地平が、この度ジャズ・ドラマーの石若駿とのコラボレーション作の第二弾を発表。

ラジオ番組の収録で出会って以来、ライヴ活動などでステージを共にすることはあった2人。2024年5月には2部作の第一弾『Magnificent Little Dudes Vol.1』をリリースしていたが、今回はその第二弾。今作には、受賞歴のあるイギリスのチェリスト、セシリア・ビグナルをフィーチャーしたアルバムのオープニング曲「M3」、シュゲイザー・サウンドを目指して制作したという「M5」などを収録。

Vol.2について畠山地平は次のように話している。「Vol.2にはセッションの後半が収められています。その日は3月のある日の午後でした。長い冬が終わろうとしているのを感じましたし、日本ではコロナの影響が諸外国より長く続いていたので、そんな マスクを付けた日々も終わろうとしていました。『M3』では私たちの演奏にセシリア・ビッグナルがチェロで参加してくれました。これは遥か昔に私がアメリカ人シンガー・ソングライターのデヴィッド・グラブスから受けた影響が見え隠れしています。彼のアルバムの『ザ・スペクトラム・ビトウィーン』に入っている『Stanwell Perpetual』という曲です。しかしこの曲は私が頭の中で何度も形を変えてしまったので、今回の『M3』とは直接は関係がないように思えます」。

すでに昨年10月にデジタル・リリースされていたVol.2だが、今回フィジカルを発売するにあたり、リミックス音源3曲が追加収録されている。3月、4月には「Magnificent Little Dudes Vol.2リリース・パーティー」も予定されていることから、今後の2人の活動から目が離せない。

東京拠点のプロデューサーRGLが、自身の音楽性のもう一つの側面を提示したカセット作品『Untitled』。ローファイ・ハウスやアナログ質感のダンス・トラックで知られる彼だが、本作ではビートのあるトラックと抽象的なアンビエント、ドローン が同じ地平で並ぶ。全8曲は、アナログ的なざらつきや微細なノイズが空気の中に漂うような、質感そのものを聴かせる構造が中心。ビートのある曲では、ローファイ・ハウスの温度感を保ちながらも輪郭が柔らかく、深夜の街を歩くような静かなグルーヴが続く。一方で「IV〜VI」ではビートが消え、音の粒子がゆっくりと浮遊する。都市の夜、遠くのネオンの光、そんな情景が自然と浮かぶような、RGLの質感への鋭い感覚を味わえる一本。

〈Kankyo Records〉にもモダン・アンビエントの結晶的作品を残す実験音響作家──Yama Yuki主宰のもと、Marginal ConsortやEast Bionic Symphoniaでの活動も知られる前衛音楽家、多田正美や前衛劇団〈パパ・タラフマラ〉で音楽を指揮した環境音楽の名手・菅谷昌弘といった作家の貴重なカセットフォーマットの新譜まで手掛けてきた、現行国内最高峰の音響系カセット・レーベル〈ato.archives〉のタイトルが一挙到着！本作は、尺八奏者であると同時に有機米農家でもあり、自然との関わりをそのまま演奏の根幹に置くKatsuya Nonakaによる純粋な尺八作品。収録曲をすべて古典本曲で構成、使用した尺八はすべて自身が制作した地無し尺八で、竹の自然な形を生かした豊かな倍音と個性ある響きが、曲ごとに異なる表情と深い余韻を生み出している。

カセットテープ版にのみ収録されていたボーナストラック2曲を新たにリマスタリングし収録し、待望のCD版が登場です！goatやYPYなどでの活動や〈birdFriend〉運営でもおなじみ日野浩志郎主宰の注目レーベルにして、Keith Fullerton WhitmanやMark Fell & Will Guthrieといった強力な面々を送り出してきた〈Nakid〉からは、日野と中川裕貴によるユニット「Kakuhan」による2022年度ファースト・アルバム『Metal Zone』がアナログ・リリース。中川による弓弾きのチェロと日野の角ばったエレクトロクスとドラム・マシンのシンコペーションが、Photekの『Ni Ten Ichi Ryu』とArthur Russellの『World of Echo』を足し合わせたようなサウンドを生み出す、破格のエクスペリメンタル・クラブ・ミュージック作品！ZodiakことTakashi Makabeによるデザイン。

様々なコラボレーションを経た上で2022年に活動をスタートし、チェロとエレクトロニクスを中心にそのユニットに備わる音楽性＝「電子音楽／弦楽」「現代音楽／クラブミュージック」「作曲／即興」「フィジカル／メタフィジカル」「人工／自然」など、音・音楽が持っている様々な極／曲を、その名の通り「攪拌」する、KAKUHAN（日野浩志郎×中川裕貴）。

ビジュアル・アーティスト、プログラマー、コンポーザーとして、音楽とテクノロジー、映像表現の境界を切り拓き続けてきた真鍋大度による、初のオフィシャル音源作品『dm studies 000 - 004』。2026年に真鍋が共同主催した新たなフェスティバル〈Future Frequencies Festival〉の会場限定で発売されていたCDが、一般発売される。
5つの楽曲から構成される『dm studies 000 - 004』は、「カオスと秩序」「人間性とプロセス」といった相反する概念をテーマに制作された、前衛的なエレクトロニック・ミュージック作品。古典的な数学原理、美しく緻密に構築されたキネティックなサウンドデザイン、そしてクラブ・ミュージックが交差する地点を探求し、真鍋大度独自の先鋭的な音楽世界を提示する。

稲垣次郎と彼のバンドによる1975年録音のジャズ・ファンク／ディスコ・カバー集『Funky Best』。Stevie Wonder、Kool & The Gang、Ohio Playersなど、当時のソウル／ファンクの名曲を大胆かつ洗練されたアレンジで再構築した作品で、ホーンセクションの力強さとリズム隊のグルーヴが際立ち、原曲の魅力を活かしながらも、ジャズ的な即興性と日本人ならではの繊細な音作りが融合している。演奏陣には、日本のジャズ・ファンク・シーンを牽引した実力派ミュージシャンが揃い、スタジオ・セッションの熱量をそのままパッケージしたような臨場感溢れる一枚。ジャズとファンク、ディスコの境界を越えたジャンル横断的な魅力を持ち、時代を超えて響く稲垣次郎のセンスと演奏力が詰まった作品として、今なお新鮮な輝きを放っている。　

大友良英率いるGround Zeroが1995年に発表した、サンプリング文化と即興演奏を極限までぶつけ合ったコラージュ作品の金字塔。京劇を素材にしたハイナー・ゲッベルス＆アルフレッド・ヒース「Peking-Oper」を素材として、ターンテーブル、自作ギター、雑多な音響サンプル、そして当時の気鋭メンバーによる騒然とした生演奏を、大友が切れ味鋭く編集。伝統音楽とノイズ、即興と構築が同じ強度で衝突し、数秒単位で風景が変わるめまぐるしい音世界は、コラージュとインプロがノイジーかつスリリングに混ざり合う、90年代アヴァンギャルドの象徴。針音や無音を大胆に扱うトラックもあり、後年へとつながる静寂の感覚も垣間見える。日本語・外国語の断片が飛び交い、意味と無意味が同時に立ち上がるアナーキーな編集は、当時流行した脱構築の精神そのもので、知的なパンクとしての大友良英が最も尖っていた時期の記録でもある。30年近く経った今でも時代の産物ではなく、むしろ現在にあってことより鋭く響く強度を持った名盤。

1980年代の日本アンダーグラウンド・ニューウェイヴを体系的に掘り起こす、〈MAWARU RECORDINGS〉によるコンピレーション『Wa Wave vol.1』。Gekko Imonkyaku、Popsong’s Factory、Funeral Party、Anima、D.R.Y. Project、Tōkyō Gyogyōmuなど、当時の日本のカセットテープ・シーンや自主制作盤に埋もれていた希少アーティストも多数収録。領域を横断する内容で、ポストパンクの緊張感、ミニマルの冷たさ、ノーウェイヴ的な破壊衝動、そして奇妙なユーモアが混ざり合う、ジャンルの境界がまだ曖昧だった時代の自由さが強く感じられるもの。当時の都市の混沌や空気感がそのまま伝わりつつも、日本特有の、前衛がどこか不思議なところに迷い込んでしまう、神秘的な世界を巡る、他に類を見ない音楽の旅。

前作『Rock Joint Biwa – Furukotofumi』で日本神話を音楽化した鈴木宏昌が、翌1973年に挑んだ国境を越える音の旅『Rock Joint Cither – Silk Road』。シルクロードをテーマに、インド、中央アジア、中国の文化的源流をジャズロックの語法で描き出した意欲作で、シタール奏者上原陽子を迎え、前作で琵琶が語り手だった構造をそのまま拡張し、シタールが新たなナレーターとして作品全体の方向性を形づくる。鈴木宏昌トリオによる強力な演奏が作品の芯となり、エレピ、ピアノはモーダルな展開からロック寄りのリフまで自在に動く。そこへ村岡建のサックス、フルート、オーボエ、ホルンなどの管楽器が彩りを加え、アジア大陸の風景が抽象的に立ち上がる。知的なジャズロックと東洋的な旋律が自然に交差する、日本モダン音楽の考古学的発掘とも言える重要な再発。

日本最古の歴史書『古事記（Fulukotofumi）』を題材に、鈴木宏昌がジャズロックと和楽器を大胆に融合させた1972年の異色作。琵琶と和太鼓の響きが作品の核となり、古代の物語性と70年代ジャズロックの推進力が自然に交わる構成で、三宅志穂の琵琶は語りのような強さを帯び、バンドのアンサンブルの中で独特の存在感を放つ。鈴木のエレピ、ピアノはモーダルな展開からロック寄りのリフまで自在に動き、場面転換のようなダイナミズムを生み出している。参加メンバーは杉本喜代志、村岡建、稲葉国光、石川晶など当時の日本ジャズ界の最強布陣で、国際水準の演奏力と実験精神が作品全体を貫いている。ときにプログレッシブ・ロック的な展開も顔を出す、古代の神話世界と70年代のモダンな表現が同時に立ち上がる、唯一無二のクロスオーバー作品。

1980年代の日本アンダーグラウンド・ニューウェイヴを体系的に掘り起こす、〈MAWARU RECORDINGS〉によるコンピレーション第2弾『Wa Wave vol.2』。Eiyō BoysやDUPPIなど、日本のニューウェイヴのそのまた影に隠れてきた個性的なアーティストたちを再発見できる構成。クラウトロック的な推進力、電子的なパルス、ガラス細工のように繊細な室内楽的質感、そしてアヴァンなクラブ感覚が混ざり合うサウンド。シリーズ共通のテーマである、80年代日本のアンダーグラウンドの深層をたどるという視点はそのままに、vol.2ではより実験性の強いトラックが揃い、Eiyō Boysのもはやビートと呼んでいいのかさえ危うい極めて日本的な鋭いビートや、DUPPIの奇妙な反復など、当時の世界の雑多さや閉塞感をそのまま音にしたようなトラックが並ぶ。日本特有の、前衛がどこか不思議なところに迷い込んでしまった、神秘的な世界を巡る他に類を見ない音楽の旅。

〈Macadam Mambo〉や〈Paesaggi Records〉からのリリースでも知られる東京拠点のプロデューサーIgaxxによる、待望の初フルアルバム作品『New Lights』。90年代〜2000年代のハードウェア・シンセサイザーを用い、演奏時の即興性や微細な偶然性を巧みに取り入れたエレクトロニクス空間。ElektroluxやRising High、Irdialといった90s欧州レフトフィールド音響の遺伝子をベースに、温かみのあるアナログの残響と極上のビートダウン・グルーヴを展開する。重厚なボトムとエキゾチックな第4の世界感覚、808のスナッピーな拍動や澄み切ったビートレスドローンが緩やかに交錯。フロアの熱気とパーソナルなリスニングの心地よさを往来する充実の一枚。

1999年にリリースされた知られざるギター・デュオ・ユニットのアルバム。ハーモニクスを多用したギターのみによる楽曲は、アンビエント的な静けさを進えた美しいもので、当時のライヴでは 8mm 映像などとコラボレートなどもしていました。しかし、当時の反応は一部で高い評価を得たものの、それはとても小さいものでした。当時のインディーズ・シーンではまだアンビエント的なサウンドの見直しもなく、ここまでシンプルなインストウルメンタルものをライヴの現場で演奏しているユニットなど皆無で、非常にカテゴライズしづらく、立ち位置の難しい音楽だったのだと思います。

しかし、ジャパニーズ・アンビエントが世界的に見直された 2010年代になってから、本作は再発見され、CDのデッドストックが一気に完売。再発の声もある中、今回初のアナログ化で改めてこの音楽を解き放ちたいと思います。現在 URBAN VOLCANO SOUNDSで知られるKENKEN もゲスト参加。

知られざる秘宝作品にじっくり触れてみるのもよし、日々のBGMとしても空気に染み入るような美しい時間を生み出してくれる、音響ギター・インストウルメンタル・アルバムです。

11月中旬再入荷。坂本龍一とのコラボレーション3曲収録。Lee BannonとしてもNinja Tuneなどで活躍する北カルフォルニアのプロデューサー、Fred Welton Warmsley IIIによる真打ちである、インダストリアル・ミュージックをノイズやポスト・アンビエント、モダン・クラシカルといった現代的かつ先鋭的なアプローチで革新する一大プロジェクト、Dedekind Cutの8年振りとなる待望の新作！
Dedekind Cutによる〈DED〉トリロジーの最終章『Dede-K-Tion』。長い時間をかけて構想・制作されてきたシリーズの集大成となる作品で、これまでの〈DED〉シリーズで展開されてきた音響的探究をさらに拡張し、微細でスピチリュアルな電子音響とミニマリズムが交錯する世界を形成。坂本龍一特有の洗練された静謐さも相まって、Dedekind Cutの新たな領域へ到達した重要作。